The TWO blues band: small number, big sound

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The TWO have been making waves on the Swiss blues scene for the past three years, bringing depth, integrity and colour to what sometimes feels like a long-lost musical tradition. Made up of  Mauritian Yannick Nanette (lead vocals, guitar, harmonica) and Swiss Thierry Jaccard (lead guitar, backing vocals), this tight unit is highly thought of in the Swiss blues community and has even caused ripples abroad by reaching the semi-finals of the International Blues Challenge in Memphis earlier this year.

 

The blues musical tradition has never felt so alive

Watching them play live at La Fête de la Musique at Lausanne’s The Great Escape, I was struck by how authenticity and simplicity are key to their success. Totally committed to their honest, organic sound without a hint of flim-flam to embellish all that is beautiful in its raw and rootsy state. Inhabited by some past life blues ghost once guitars are in hand, The TWO postively levitate with a feel-good factor even when the timbre is plaintive and sombre. The enthusiasm for their musical mission is palpable. The audience are with them, behind them, for them. The blues musical traditon in their hands has never felt so alive. « I’ve got blues in my bones, I’ve got groove in my soul » wails Yannick with a fire-breathing intensity and a voice that bridges the distant Creole with the Delta. It’s a haunting voice that cannot fail to penetrate, transmitting despair in a way that’s more unique than rare, thankfully it is equally uplifting in parts reminding us that the blues is also a music of hope and dreams.

 

“The blues is an enormous canvas to paint on”

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I recently came across this quote from Roger Daltrey talking about his early influences with The Who: « Because it’s so simple and heartfelt, the blues is an enormous canvas to paint on ». Much from little is exactly the tradition that The TWO are carrying forward with effective heart and spirit. Their album ‘Sweet, Dirty, Blues’ was released last November off their own backs and is an honest, raw, relevant work reminding us that all forms of popular music stem from the stripped down simplicity of a nifty guitar riff and a pained, sincere voice. They’ve also just put out an 7-inch single on Lausanne’s Rocafort Records which can only be purchased at their live gigs. I have a hunch that more people will be talking about this vibrant, engaging duo after their first official appearance at Montreux Jazz this summer.

 

Some questions and answers with The TWO:

How and where did you meet? How long have you been playing together?

The TWO: We met five years ago in Sierre. Thierry was playing at the Hacienda concert hall with the funk band, Brainless. I loved their sound so much that I (Yannick) asked if I could join in for a jam session at the end of the show. They agreed, I rushed home, got dressed nicely, took my harmonica and the story began. Since then I’ve been touring with the Brainless band. Thierry and I quickly saw we had a special feel for the blues and soon decided to work together. Three years have gone by since then and we’ve been grooving restlessly wherever the music takes us.

Name some of the blues inspirations that have impacted on your sound and style of playing.

The TWO: Eric Bibb, Keb Mo, Ray Charles, Eric Triton, Menwar, Zanzak, Baster, Kaya.

There’s not a lot of Swiss blues music around, do you feel like a rare breed?

The TWO: The blues can be everywhere as long as the music is honest, as long as one drives it out from one’s soul, as long as the music is vital, as long as it is an urge to sing or die. What we mean is that the blues is not an aesthetic, some kind of drawer where one is categorised to suit a music market. In the beginning black people were singing to find a light, to cheer up and encourage themselves to bear the conditions of slavery. The blues was a prayer, a cry to come together, to be one, united to face hardship and suffering. Our blues comes from here and we sing with our soul, this same desire to make people come together and move for change. In Switzerland artists like Mark Kelly, Sophie Hunger and many more sing with this fervour, honesty and soul, which for us is the blues.

How did your trip to Memphis affect you?

The TWO: We were really happy to go there, proud to sing our blues where the blues was born. It was some kind of pilgrimage but there in Memphis, many questions came up. We realised that the blues cannot be imprisoned in a place. Music is art and if try to hold it for yourself, keep it in a museum, it withers and dies. The blues is everywhere! No matter where you are, no matter who you are and where you’re from, you can have the blues. It is not an American thing, it is a human thing.

Are The Two always going to be just you two?? Will there be more musicians featured on your forthcoming work?

The TWO: Music is about meeting people and sharing. From time to time we play with a drummer, Felix Bergeron and a violinist, Bastoun. In any case, The TWO is more than just two guys playing their guitars. So many people work behind the scenes, are unseen and these people help our music to be what it is. For now we are touring with our album ‘Sweet, Dirty, Blues’ that came out last year. Time, music and crossroads will tell what happens next.

 

Forthcoming live gigs:

03.07 – Summer Blues, Basel

04.07 – Gena Festival

08/09.07 – Sierre Blues Festival

10.07 – Vallemaggia Magic Blues

13.07 – Montreux Jazz Festival

18.07 – Cahors Blues Festival (FR)

19/20.07 – Verbier Festival

22.07 – Narcao Blues Festival (IT)

23.07 – Blue Balls Festival , Lucerne

Nicolas Masson, entre contemplation et liberté

A l’écoute des ondes méditatives de « Many More Days » de Third Reel, on peine à croire que le saxophoniste et clarinettiste Nicolas Masson a fait ses débuts dans la musique à la guitare, en fan de heavy metal.

bg-body2En fait, c’est à un concert du groupe de hip hop hard funk allumé, Fishbone qu’il découvre le saxophone ténor du chanteur Angelo Moore. Fasciné, il décide d’en louer un. Quelques temps plus tard, adolescent en vacances sur les hauts de Montreux, il profite d’un billet gratuit offert à sa grand-mère pour se précipiter au concert du World Saxophone Quartet. Nous sommes en 1989 et les dés sont jetés. Notre homme se met alors à dévorer du jazz, de la musique classique du XXème siècle (« parce que beaucoup de jazzmen faisaient explicitement référence à cette musique ») et à jouer en autodidacte. En 1992, on le retrouve à New York sur les traces de Cecil Taylor, Fred Hopkins, Frank Lowe, Makanda Ken McIntyre. Il se sent à l’aise dans cette scène free. En 2000, après un séjour d’une année à New York, il monte sa formation américaine avec Russ Johnson (trompette), Eivind Opsvik (basse) and Mark Ferber (batterie).

En parallèle

Quinze ans plus tard, Nicolas Masson est une figure majeure de la scène jazz suisse à la tête de deux projets bien différents : Parallels avec Colin Vallon (piano), Patrice Moret (contrebasse), Lionel Friedli (batterie) qu’il qualifie lui-même de projet « enraciné et viscéral, structuré et incantatoire ». Et Third Reel avec le Tessinois Roberto Pianca (guitare) et l’Italien Emanuele Maniscalco (batterie) à l’approche climatique, aux références minimalistes.

Les choses sérieuses pour ce trio ont commencé à l’invitation de Paolo Keller qui organise des concerts de jazz pour la radio suisse italienne. Sans les en informer, ce dernier passe en douce l’enregistrement radio de l’ensemble à Manfred Eicher, big boss de ECM, qui apprécie. Le premier disque du groupe sera enregistré à la RSI après une brève rencontre d’une demi-heure avec Manfred Eicher. « Le studio dans lequel nous avons enregistré avait été conçu plutôt pour de la musique classique. L’acoustique était différente de ce à quoi nous étions habitués. On a dû s’adapter. Ce fut un traitement cathartique qui nous a amené vers plus d’intériorité. »

Deuxième enregistrement sur ECM

2431 B - copie 4(1)Aujourd’hui, « Many More Days » confirme que Third Reel a trouvé sa voix. Nicolas Masson y est très présent. Le ton de son saxophone ténor est grave, son style épuré, essentiel, en connexion subtile avec ce qui l’entoure. Batterie et guitare se meuvent à l’unisson. Les ambiances se concentrent et se diluent comme une étendue d’eau qui afflue et reflue, à l’image de la pochette du disque. Souvent construit autour d’une ou deux phrases musicales, la liberté reste le dénominateur commun de ces trois instrumentistes. « White » renvoie à l’univers du pianiste japonais Masabumi Kikuchi. « J’ai composé ce thème chez moi face à une fenêtre à travers laquelle je voyais les arbres enneigés. Ce morceau est un reflet de ce que je ressens à propos de cette musique. C’est un titre contemplatif, à la fois fragile et brut ».

Quant au morceau-titre « Many More Days », il est écoutable sur le player de ECM.

 « Ecrire un minimum pour improviser au maximum »

15082014-Foto 1-3Sur la scène du Sud des Alpes le 21 mai 2015, les trois comparses sont rejoints par le contrebassiste Thomas Morgan (connu entre autres pour son travail avec Paul Motian) et c’est comme si on avait brassé les cartes et que la musique de Third Reel était redistribuée. «Nos compositions sont très ouvertes, conçues pour être réinventées à chaque concert. Avec Thomas Morgan, cela a rendu les choses encore plus créatives puisqu’il considère que les instruments n’ont pas de rôle déterminé ». La texture musicale de Third Reel est la même, mais le jeu d’interactions, l’instinct, la transcendance, la personnalité des uns et des autres s’affirment plus concrètement. Avec sa clarinette, Nicolas Masson semble explorer les sons « J’ai beaucoup plus travaillé le saxophone que la clarinette. Du coup, j’ai une approche plus archaïque de cet instrument, avec moins d’automatisme. C’est plus naïf et, dans un sens, plus libre. »

Ecoutez le morceau “Many More Days” sur le player de ECM!

Swiss Vibes live @Montreux Jazz Festival: Polar

En collaboration avec le Centre culturel suisse de Paris, le Genevois Polar a imaginé pour le Montreux Jazz Festival un projet solo exploratoire dialoguant avec le Château de Chillon entre climats pop et rock.

Image: Tristan PfundAu cours des dix premières années de son parcours de chanteur, Eric Linder, alias Polar, avait donné naissance à trois beaux albums de folk-pop anglophone intimiste. De subtiles variations sur un même thème délaissées ensuite pour deux albums pop-rock francophiles extravertis et mélodiques. Cinq ans après French Songs, Polar a renoué l’an dernier avec la langue de Shakespeare pour l’impressionniste Empress. Un sixième album en seize ans que le Genevois a imaginé panoramique, lumineux et exploratoire, empruntant à la pop ses lignes de force mélodique, au rock son intensité et à la folk ses racines.

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Aujourd’hui, le remuant Genevois d’origine irlandaise prend encore la tangente en imaginant pour le Montreux Jazz un projet en solo dont l’ambition est un dialogue majestueux avec le Château de Chillon. La proposition, que le Festival lui a adressée suite à sa récente carte blanche au Centre culturel suisse de Paris, enchante le musicien et chanteur. En tant que directeur et programmateur musical du Festival genevois Antigel, dont la spécificité est de programmer des spectacles dans des lieux atypiques, l’idée l’a immédiatement séduit. D’autant que l’image évocatrice du «fameux album de Bill Evans At The Montreux Jazz Festival, avec une vue du château depuis le Léman sur la pochette (1968) et qui fait partie de mes disques favoris, m’est aussitôt venue à l’esprit».

Pas de déclinaisons jazz pour autant en perspective dans la prestation de Polar. « Ce sera un concert avec guitare acoustique et électrique et le registre sera donc différent de mes concerts en solo habituels teintés folk. Il y aura par exemple des parties instrumentales insérées dans les titres chantés de mon répertoire anglophone. L’idée est de m’imprégner des lieux, de son acoustique et de sa réverbération, pour esquisser une prestation pop qui soit des plus oniriques ». Des atmosphères plutôt pop et rock donc pour celui qui s’est produit à Montreux pour la première fois en 1998, au Miles Davis Hall, et qui y a aussi vécu les concerts mémorables de Neil Young, Wilco, James Blake ou Kendrick Lamar.

Polar en concert solo au Château de Chillon, Montreux Jazz Festival, sa 11 juillet.
En première partie: Paralog et Gabriel Zufferey “Around Bill Evans”.

 

Swiss Vibes sessions: l’union fait la force! (Paris, Ccs du 2 au 4 juin 2015)

tete_visit-in_centre_culturel_suisse_2014_-sebastienborda-sb20140217073En cette première semaine du mois de juin, le Centre culturel suisse se présente sous ses plus beaux atours. En plein cœur du Marais, la devanture de la libraire fait de l’œil au passant en exposant ses sacs Freitag bien en évidence. Passé les lourdes portes en bois les cours intérieures fleuries transportent en un instant le passant de l’ébullition de la rue des Franc-Bourgeois au calme d’un bâtiment historique. Intra muros, place à la création contemporaine avec Marc-Antoine Fehr et l’installation sonore et visuelle de Dominique Koch.

Les deux directeurs du Centre culturel suisse, Olivier Kaeser et Jean-Paul Felley et leur équipe, travaillent d’arrache-pied pour faire « connaître en France une création contemporaine helvétique ouverte sur le monde et y favoriser le rayonnement des artistes suisses ».

Ça tombe bien, au rayon musique, c’est exactement la même ambition qui anime le blog swissvibes.org. Les grands esprits se sont donc rencontrés au Ccs du 3 au 6 juin 2015 pour présenter trois soirées de concerts aux couleurs musicales différentes. Grâce au soutien de Pro Helvetia (la Fondation pour la culture suisse) et de Swiss Music Export, l’entreprise dut une réussite tant au niveau de la qualité artistique, des échanges que de l’affluence. L’union fait la force!

 

Mardi 3 juin Swiss Vibes goes rock

Pour cette soirée étiquetée rock, la Zurichoise Evelinn Trouble et les Biennois de Puts Marie ont joué des reprises surprenantes.

Evelinn Trouble
Evelinn Trouble ©Simon Letellier
Evelinn Trouble ©Simon Letellier

Evelinn Trouble se sent un peu à l’étroit dans l’auditorium du Ccs et elle le fait bien savoir : en milieu de set, elle attaque le répertoire de Tina Turner plus qu’elle ne la reprend. Pour mieux convaincre des vertus de son « What’s Love Got to Do with it » revu et corrigé version 2015, Evelinn Trouble grimpe les escaliers entre les chaises des spectateurs et se lance dans un ping pong vocal mi-hurlé mi chanté avec les trois autres membres de son groupe. Et si le prochain album « Arrrowhead » de l’excentrique diva zurichoise est censé se décliner en version trip hop, cela ne l’empêche pas de rester une rockeuse et une funky woman infernale qui balance du lourd et séduit par la puissance de sa voix et par son caractère bouillonnant.

Puts Marie
Puts Marie ©Simon Letellier
Puts Marie ©Simon Letellier

Puts Marie choisit quant à lui d’évoquer Sun Ra, le roi du free jazz psychédélique. Sun Ra, le cosmos, la folie : un univers qui parle bien au chanteur Max Usata et à ses acolytes biennois, tous bien barrés et en même temps tellement soudés. Evidemment c’est le chanteur qui attire d’abord l’attention, avec sa gestuelle saccadée, sa voix schizophrène (très haute puis presque cassée), ses deux micros qu’il ne cesse de manipuler, dévisser ou jeter. Mais le groupe disposé en arc de cercle autour de lui n’est pas en reste. Incroyablement soudé rythmiquement – alors que le batteur et le bassiste sont deux nouveau venus -, il expérimente aussi les digressions sonores et les expérimentations en tous genres. On colle volontiers à Puts Marie l’étiquette de blues psychédélique, mais au vu de l’univers développé dans leur prestation d’à peine une heure, cette étiquette semble bien réductrice.

 

Mercredi 4 juin Swiss Vibes goes électro

Même décor, autre ambiance le lendemain avec les expérimentations électro de Larytta et Egopusher.

Larytta
Larytta ©Simon Letellier
Larytta ©Simon Letellier

Le duo lausannois  constitué du designer graphique Guy Meldem et du performer sonore Christian Pahud nous avouait dans l’après-midi fonctionner comme un « vieux couple infernal ». Depuis la parution de son nouvel album « Jura » l’an dernier, il a décidé de faire peau neuve: de deux, les voilà passés à quatre, ajoutant des vrais instruments à leurs machines, ordinateurs et pédales.

Résultat : un show ultra-enjoué qui multiplie les clins d’œil musicaux; ici des guitares africaines, là un chant en portugais. Funky ou techno, les musiciens sautillent comme des balles de ping-pong et ne cessent de changer de place, d’instruments. C’est ludique, dynamique, même si parfois ce chant à quatre voix sur des micros sans cesse différents pose des petits soucis de calage. Une phase de transition pour cette formation qui a plus d’un tour dans son sac et qui sidère par son énergie communicative.

Egopusher
Egopusher ©Simon Letellier
Egopusher ©Simon Letellier

Nous vous avons déjà abondamment parlé de Egopusher dans ce blog. Ce duo constitué du violoniste Tobias Preisig et du batteur Alessandro Giannelli a décidé de lâcher les amarres et de se lancer dans un work in progress permanent. Peaufinant leur morceau sur scène, ils les mettent ensuite à disposition des internautes via soundcloud puis les retravaille, et ainsi de suite. Une prestation qui s’inscrit donc aux confluents de l’expérimentation sonore, des rythmes déconstruits ou répétitifs et des musiques improvisées. Une musique qui semble chercher à revenir vers une pulsion primale, essentielle.

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Entendus dans un set flirtant avec la techno au Cully Jazz, puis plus sages dans l’émission de Manoukian sur France Inter le 29 mai, ils se présentent dans une version plus théâtrale et plus subtile au Ccs. Ce dialogue inédit entre la batterie et le violon est aussi visuel. Tobias Preisig travaille son instrument au corps pendant que les baguettes d’Alessandro voltigent sur les fûts. Le principe de l’exercice fait que l’on n’évite pas quelques moments de flottement, mais ce même principe invite aussi à la curiosité, à une attention extrême de la part de l’auditeur qui ne s’y trompe pas. « Vraiment nouveau », « Franchement étonnant », « excitant » sont les commentaires qu’on entend fuser dans l’assistance à la fin de leur set. Quant à Preisig, il définit sa musique comme du « Brahms sous psychotrope ».

 

Jeudi 5 juin Swiss Vibes goes jazz

En Suisse, jazz rime souvent avec diversité stylistique. Le double concert d’Orioxy et de PommelHORSE en fut la preuve.

Orioxy
Orioxy ©Simon Letellier
Orioxy ©Simon Letellier

Orioxy séduit en finesse avec une approche très féminine (que la rythmique masculine veuille bien m’excuser pour ce commentaire). Yael Miller, Israélienne de Suisse, impose sa marque au chant. En hébreu en anglais, entre rap, scat et chuchotements, sa voix tisse un univers d’émotions à fleur de peau, d’impressions parfois enfantines, parfois matures et engagées. Auquel répondent les mouvements du corps habité de Julie Campiche et sa gestuelle précise qui, d’une main tire un foulard entre les cordes de son instrument, de l’autre bidouille ses effets électroniques quand elle ne se sert pas d’une baguette de feutre. Le travail sur le son est subtil, pénétrant. Dans cet univers le cor de Baptiste Germser, l’invité français de la soirée, s’intègre naturellement, comme si il allait de soi. « Dans nos chansons on cherche aussi à exprimer les non-dits» nous expliquait Yael Miller sur ce blog il y a deux ans. Pari tenu au Ccs.

PommelHORSE
PommelHORSE ©Simon Letellier
PommelHORSE ©Simon Letellier

Quant à PommelHORSE, leur fonds de commerce est l’expression en musique de sentiments peu ordinaires : le stress d’un homme devant passer un scanner, les rythmiques techno qui continuent de résonner dans la tête d’un fêtard qui n’arrive pas à s’endormir à l’aube, les frémissements d’un cerf pourchassé. Pour expliquer ce monde de sensations primaires avec beaucoup d’humour, le clarinettiste Lukas Roos joue de son accent suisse-allemand avec décontraction. Lui vient plutôt du classique, le batteur à la rythmique métronomique du heavy metal, le clavier qui est aussi celui d’Evelinn Trouble aime le rock, l’électronique et à peu près toutes les musiques que vous lui nommez…. Vous l’aurez compris chez PommelHORSE, le jazz est un état d’esprit placé sous le signe de l’innovation, de la sensation, de l’énergie, de l’humour. Personnes sérieuses s’abstenir.

Hors de leurs murs, originaires de différentes régions de la Suisse et sans qu’ils ne se connaissent les uns les autres, ces sessions musicales de trois soirs ont permis de faire passer un courant entre ces différents groupes, d’affirmer haut et fort que la scène suisse se porte de mieux en mieux. « J’ai découvert des musiciens extraordinaires et des projets vraiment originaux. C’est excitant et ça donne envie d’en connaître plus ! » s’exclame le pianiste français Alexis Anerilles (qui office entre autres aux côtés de Sophie Hunger), spectateur assidu de ces trois soirées de concerts. Merci à Evelinn Trouble, Puts Marie, Larytta, Egopusher, Orioxy et PommelHORSE pour ces moments enthousiasmants et fédérateurs.

Florian Favre “Dernière Danse”

Florian FavreYou get the sense Florian Favre is wringing as much out of some wood, metal strings, hammers, pedals and keys as he can. Using what he refers to as, ‘his first love’, the grand piano, he works melodies in with rhythmic punches, varying qualities of tone and a rich variety of ideas. His solo album, Dernière Danse (A-Nuk) is an engaging listen and shows off his clear talent and skills, although that could be a point of criticism too.

He has a wonderfully mournful touch
The tracks I favour are those where Florian is getting into a melancholic mood, as in the title track. Maybe it’s the ‘last dance’ in a romantic sense – but as if the affair is over, not beginning. The tempo perfectly captures a dragging feeling of loss, and he broodily uses the deeper end of the piano whilst tinkling high notes almost try to soothe it. ‘Träume Einer Wachspuppe’ (‘Dreams of a Wax Doll’) is just as touching whilst again using this tension between the two ends of a piano to weave a strange and evocative atmosphere. He has a wonderfully mournful touch.

“It was a nice brain training”
When I first met Favre he talked excitedly about his ideas of creating dance-like beats on the piano at the same time as musical tunes. These ideas formed when he was the only member of a backing ‘band’ for a pop singer. Favre says, “I tried the challenge to ‘split the keyboard’ into many different functions, having the end three fingers of my left hand playing bass and the other two playing drum, while my right hand was playing the harmony and melody. It was a nice brain training.” You can hear this clearly when he does a brief cover of Earth, Wind & Fire’s ‘Let’s Groove’ – it’s clever but doesn’t touch me like his original compositions do.

https://youtu.be/EIKEMvGhTr8

Florian’s timing is impeccable
He can definitely pen a tune, as ‘Jambo’ and ‘Comme de J’aimeu’ testify. The latter uses delicate harpsichord stabs to create an unusual texture underneath the bluesy melody. Again Florian’s timing is impeccable, and with his original twists of melody he makes the piece captivating whilst allowing for groove, swing, and feeling. ‘Oh Lord’ expands on his ability to play southern-style blues and I love the drunken and warped ‘Interlude: The Lonely Turntable’ – it reminds me (in a positive way) of the 1970s English comedian, Les Dawson who crafted sophisticated off-key versions of classics. Florian used a quarter-tone piano to create the effect.

In fact throughout the whole of this album there is a sense of exploration, fun and playfulness. It’s just better when he invests a spirituality as opposed to the moments when I feel there is focus on technique. Florian’s trio recently played a coveted gig at Jazzahead, the huge ‘jazz trade fair’ in Bremen, and when Joshua Redman heard him play in Zurich he asked him to join his band onstage for a jam. There is no doubt that this is a musician to watch for – his passion and emotion when he plays are obvious, and that can count for a lot.

Florian Favre, Last Dance, Label ANUK

Link for next concerts

 

Anschläge auf das Musikverständnis

Andreas Schaerer bekommt in Hamburg den Echo Jazz als „Sänger des Jahres International“

andreas_schaerer_201510990_ret_swAndreas Schaerer ist in Deutschland angekommen. Im vergangenen Jahr gewann der Berner Sänger mit seiner wilden Band Hildegard lernt fliegen in München den mit immerhin 10.000 Euro dotierten BMW Welt Jazz Award. Jetzt durfte er in Hamburg den Echo Jazz in der Kategorie“ „Sänger des Jahres International“ – sein direkter Vorgänger war kein Geringerer als Gregory Porter – entgegennehmen. Zwar undotiert, aber vom Renommee her inzwischen doch eine Art deutscher Grammy. „Ich freue mich unglaublich über die Auszeichnung“, sagte Scharer, kurz bevor er den Spießrutenlauf auf dem roten Teppich zur Fotowand nach amerikanischem absolvierte. „Das ist ja eine Form der Anerkennung, die einen in seinen Überzeugungen bestätigt. Eine Resonanz, die einen motiviert, das oft unglaubliche Arbeitspensum auf sich zu nehmen, Gas zu geben, alles auf eine Karte zu setzen.“

Schaerers Auszeichnung hat Signalwirkung

andreas_schaerer_201510685_ret_swSo wie der Begriff Jazz inzwischen kein fest definierbares Genre mehr beschreibt, sondern für individuelle Musik heterogenster Quellen steht, so ist auch die Kategorie „Sänger“ bei Andreas Schaerer ein hilflose Untertreibung. Er setzt nicht nur alle Stile von der Opernkoloratur und dem klassischen Liedgesang über Crooner-Swing und Bebop-Scat bis zu expressionistischen Vokalisen und Experimentalgesang ein, er imitiert auch Geräusche und Instrumente und beherrscht überdies Multiphonic-Beatboxing. In den verschiedensten Projekten, vom Duo mit dem Schlagzeuger Lucas Niggli über das Trio Schaerer-Rom-Eberle über die Kollaboration mit dem Arte Quartett und dem Bassisten Wolfgang Zwiauer bis zum Vorzeige-Sextett Hildegard lernt fliegen er damit gleichberechtigtes Instrument, ja als Komponist vieler Stücke auch oft Erster unter Gleichen. Als weiteres Alleinstellungsmerkmal kommt der direkt der Musik entspringende wie in den Moderationen gepflegte Humor dazu, der seinen Auftritten oft schon kabarettistische Züge verleiht. Leider durfte Schaerer beim Echo nicht auftreten, der wie viele andere beim Festakt selbst die Musik jenseits des Mainstreams vermisste.

Orgien der Fantasie
Andreas Schaerer, Brigitte Wullimann ECHO JAZZ 2015,  © Markus Nass / BVMI
Andreas Schaerer, Brigitte Wullimann
ECHO JAZZ 2015,
© Markus Nass / BVMI

Dafür gab es eine schöne Laudatio von Mr. Tagesschau Jan Hofer , der Schaerers Auftritte als „Orgien der Fantasie, famoses Chaos und Anschläge auf der Musikverständnis“ rühmte – obwohl er ihn noch nie live gesehen hat, wie er im kleinen Kreis bei der anschließenden Party verriet. Schaerer griff in seiner kurzen Dankesrede die Erwähnung seiner klangexperimentellen Jugend in den Emmentaler und Walliser Bergen gewohnt humorvoll auf: Er habe sich als Kind oft gefragt, wie das Echo aussieht, das ihm aus dem Tal zurückkam. Jetzt – und dabei reckte er die sperrige Trophäe empor – wisse er es. Wie ein Schweizer Echo idealerweise klingt, das erfahren demnächst die Besucher von „Bingen swingt“ und des Südtirol-Festivals, bei dem Schaerer zu den favorisierten Stammgästen des innovativen Festivalleiter Klaus Widmann gehört.

 

Record of the month: “Spring Rain” by Samuel Blaser

Samuel Blaser's Spring RainBlaser trills and sways with a wonderful, inebriated tone
Samuel’s opening notes of ‘Jesus Maria’ emit a tone of skewed warmth, imperfect but aglow. What follows is an almost heartbreaking conversation between Blaser, Russ Lossing whose piano notes fall as clear spring raindrops, and the ghostly double bass of Drew Gress. Gerald Cleaver locks into this sensitivity brushing drums or rustling cymbals and I drifted into a meditation that I didn’t want to leave. It’s a gorgeous piece written by Carla Bley and was featured on the Jimmy Giuffre 3‘s album Fusion, 1961. Spring Rain is a tribute to Giuffre, specifically his now-revered, explorative work with Paul Bley and Steve Swallow and combines covers with original compositions in a conducive listen.

Lossing makes the difference in ‘Missing Mark Suetterlyn’: as Blaser trills and sways with a wonderful, inebriated tone, Russ brings the double joy of piano and keyboards (he plays Minimoog, Fender Rhodes and Wurlitzer on this album). His electronic runs and chord stabs funk it up, space it out and take us into a thrilling, lawless landscape. All the time Cleaver is finding off-beats with laudable subtlety; he’s finely integrated but always notable.

A warm ’60s jazz homecoming
This track leads straight into the lucid melody of ‘Temporarily’ (another Carla Bley composition). There’s a sense of the recognisable here, like a warm ’60s jazz homecoming. Blaser hits the spot in the way a trumpet can – with soulful, cool sensibilities. Spring Rain has been directed by Robert Sadin, a classical conductor (a vital point as there are flavours of classical expressionism in Blaser’s playing) who also arranged and produced output such as Gershwin’s World by Herbie Hancock. From the musical themes to the sequencing, this feels a quality production.

I adored Blaser’s short solo ‘Homage’, its romantic grief like a modernist ‘Last Post’. If it was played with Blaser’s late manager, Izumi Uchida in mind, I can’t think of a more touching goodbye. ‘The First Snow’ is a free-for-all improv that again shows how this quartet is greater than the sum of its parts. They entangle themselves yet create space for ideas to breathe a fresh air.

Blaser: “Beautiful melodies and no boundaries”
If I’m honest I don’t find the trombone an easy listen, but the combination, especially with Lossing’s exquisite electronic touches, creates both an engaging tension and harmony. Blaser says, “I want people to know that there is jazz, blues, classical music, beautiful melodies and no boundaries,” and maybe that’s why I like this album. However I also think taking Guiffre as inspiration has given Blaser permission to incorporate five interpretative covers as well as provide a fertile direction for composing.

The Giuffre 3 are now recognised for their crucial contribution to free jazz, but disbanded in 1962 after the avant-garde album Free Fall and a gig where they earned 35 cents each. I’m certain there are quite a few musicians out there now who can relate to that.

Spring Rain will tour in November and December 2015.
Whirlwind Recordings