Bad Bonn venue in Düdingen celebrates its 25th anniversary this year with – amongst other things – the publication of a unique book: over the past few years, bands appearing at this idyllic location in the rolling green hills near Fribourg have been asked to donate one song each for the project. Some sent sheet music, others sent drawings, poems, chord sequences and collages. “The Bad Bonn Song Book” collects 140 of these in a splendidly glittery coffee table book published by Edition Patrick Frey in Zurich.
A unique collective work
The impressive and diverse list of participants ranges from Flaming Lips and Bonnie “Prince” Billy to Goat, Jandek, Sebadoh, Sleaford Mods and Suzanne Vega. To launch the book, Bad Bonn came to the legendary Rough Trade East shop off London’s Brick Lane. The choice of venue made sense: Most of the lyrics in the book are in English, many of the artists involved are from the UK, and the shop carries one of the most comprehensive selections of music-related books anywhere. The two-pronged event attracted an excellent crowd of around 150 people.
A panel and a solo concert
Hanspeter Kuenzler, Tom Relleen, Luke Turner,Christophe Schenk, Daniel Fontana
The first part consisted of a panel discussion, “Can a Live Music Venue Change a Small Town?” with the participants, Tom Relleen (musician with Tomago and The Oscillation, concert agent with the Julie Tippex Agency), Luke Turner (writer, founder of the Queitus web-zine), Christophe Schenk (Swiss television), and Düx aka Daniel Fontana (founder, Bad Bonn). A lively exchange was peppered with excellent anecdotes, including Relleen´s story that many a band he had booked for the venue called him up in desperation, fearing the GPS had misdirected them when they found themselves driving past freshly tilled fields and manure
silos instead. Following the discussion – the conclusion: of course it would! -, Richard Dawson, a highly original singer/songwriter from Newcastle and a happy regular at Bad Bonn, gave a breathtaking solo performance, sometimes with his battered guitar, sometimes acapella.
With musicians Yilian Cañizares, Christoph Irniger, Yael Miller, Mandla Mlengeni, Manuel Troller, Julie Campiche, Nils Fischer and Joel Graf.
I’ve just visited the second edition of Take Five Switzerland, an invite-only, professional development course for musicians. There are sessions on everything from legal affairs to communication skills, and time to network with a selection of European promotors and experts. Run by Serious, the UK’s most standout organisation in jazz, it’s an intense week, softened by the setting of a beautiful, organic farm in the ‘garden of England’ (Kent).
Christoph Irniger
“… great to meet someone from every aspect to build a career” Yilian Cañizares Edition 1 of Take Five Switzerland in 2013 was my personal introduction to the creative intelligence and ambition of Swiss artists and honestly, my love of music was re-invigorated by them. Their feedback maybe shaped Edition II and the latest group were unanimous in their appreciation of the week. “There is a lot of information that I need to digest,” said Yilian Cañizares, “but it’s been really great to meet someone from every aspect to build a career and in my case that’s what I’m looking for: how to meet the right people to push me, help me with skills to get to the next step.” The experienced Christoph Irniger agreed, “Nothing is really new but when you hear it enough, it becomes clear: there are no shortcuts, you have to be really patient and it’s all about personal connections.”
The ‘personal touch’ was a key theme. It can be used to build a fan base and to address promotors when looking for gigs. The saxophonists, Nils Fischer of the Great Harry Hillman, Joel Graf of pommelHORSE and Christoph, were all keen to think more deeply about what venues might like their sound and target them as part of developing a strategy. Christoph said he would, “Check out who might programme my music and go for that…The spam is what makes the business so hard.”
“…choose clubs that fit our music” Nils Fischer
Jan Ole Otnaes of Nasjonal Jazzscene confirmed this and advised putting thought into targeting venues and writing personal emails to promotors. This came out in useful Q&A sessions that were in relaxed settings (literally around the fireplace) encouraging open dialogue. Nils heard the message clearly, “Now we know to focus on specific countries with the booking, really using personal contact, and choose clubs that fit our music.”
Manuel Troller
“You sharpen your consciousness about things” Manuel Troller
The Sony consultant Wulf Muller was another expert happy to hang out with the musicians and harpist Julie Campiche recognised it was a privilege to have quality time with such experience, especially at a time of uncertainty. “You know, as an artist you feel something – I want to go in a direction, but am I right or am I wrong? Is it my fear speaking or is this good intuition?” Her conversations at Take Five were, “a confirmation that I’m on the right path.” Manuel Troller, a guitarist to watch out for, intelligently observed, “You sharpen your consciousness about things – if someone speaks about something that you completely disagree with then you feel even more strongly about it, or if you agree, it helps you develop new ideas.”
“To have…something that helps you artistically and personally was great” Joel Graf Yael Miller noticed that one expert said Facebook ‘likes’ were vital, whilst another promotor ignores them. Yilian felt the best advice was to forget Facebook ‘goals’ and, “Look at your audience as ‘friends’, you are building friendships – people you communicate with through music that have common values and ways of seeing life.” In order to do this artists need to learn how to speak openly. “The work with Mary McCusker [a communication coach] was fantastic,” said Joel Graf, “…to have all this information on the course, but also something that helps you artistically and personally was great.” They made short videos simply talking about their music and although Joel wasn’t sure of their usefulness, having to think of concise phrases to describe themselves and their creative work was helpful.
“It made me define what I want to do next, better” Yael Miller
When I arrived at Take Five I discovered that the band Orioxy were splitting up to allow Yael Miller and Julie Campiche to follow new creative ideas. Both were unsure whether to attend the course because everything was changing for them. However the promotors said they loved discovering artists who were transforming and it forced both of them to verbalise their ideas. Yael said, “So then I started talking about it and being open about it. It made me define what I want to do next, better.” Yael added of Take Five, “It was the thing I needed at this time because I’m in a transition period.”
There are some lessons that can’t be learned in Take Five. How do you face moving on from a band and deal with the consequences? These are situations that can be mis-handled but what spoke volumes to me was that Julie and Yael both turned up on the course. It takes balls to deal with changes and to face something like Take Five in a state of uncertainty. Yael’s concerns about taking a new direction were calmed, “One of them told me, ‘This is artist development.’ And it’s true, you have to take time to think about what you want, to be true to yourself…it was really reassuring.”
Charming gardens of Bore Place
“For me, healing myself…was through making music” Mandla Mlangeni
The last word goes to Mandla Mlangeni, a trumpeter from Soweto invited onto Take Five. When he was just four years old his activist father was murdered by a bomb sent to his home. Mandla explained, “For me, healing myself and all the pain that lingered in me, was through making music.” Ultimately all these musicians at one point or another felt this power of music and the professional side of things is there to support that. Mandla added, “Take Five has opened my eyes to a whole new world of opportunity and made me think about my career in ways I never have before particularly when it comes to making contacts.” So, if it helps such people, the future generations of this music, get their work out there, then it’s doing its job.
Chaque mois, Swissvibes vous présente un nouveau titre extrait de “Inappropriate Behaviour”, le nouvel EP de Rootwords.
Incontournable de la scène musicale suisse, Rootwords puise la source de ses créations dans la culture hiphop. Loin de se contenter de recréer l’actuel ou le passé, le rappeur genevois d’origine américaine et zambienne allie des influences éclectiques à son style de prédilection. Le résultat ? Des univers hétéroclites, entre tendances et old school, guidés par le verbe consciencieusement aiguisé de Rootwords, qui mènent l’auditeur dans un voyage musical aux multiples facettes.
Après avoir présenté son premier album, “The Rush” (en 2014), et les EPs de ses débuts sur les scènes suisses, françaises, italiennes, allemandes ou encore chinoises de renom, Rootwords aborde 2016 avec un nouvel EP au concept peu commun. Composé de six titres qui sortiront au compte-gouttes tout les 25 du mois, “Inappropriate Behaviour” oscille entre titres solo et collaborations avec des artistes des quatre coins du monde, encrant ainsi Rootwords un peu plus dans la lignée des artistes citoyens du monde. Chaque mois, nous découvrirons un nouveau chapitre de cet EP avec l’impression de Rootwords sur ce dernier.
Après « Move », un condensé d’influences trap, de basses lourdes et de revendications en featuring avec la kényane Muthoni The Drummer Queen, Rootwords ralentit le tempo et se dévoile sur « She ». Le deuxième extrait de l’EP s’inscrit dans une lignée plus traditionnelle de l’univers de prédilection de Rootwords. Production soignée et beat répétitif aux accents mélancoliques; un effluve envoûtant émane du morceau et inscrit une dimension mystique dans l’atmosphère. Comme si la transe était essentielle pour que le flow s’accorde. À l’image des vérités du coeur qui se gravent dans le texte, le clip de « She » s’illustre dans un espace graphique, subtile et brute à la fois. Parfois, « less is more » lorsqu’il s’agit de conter une histoire du passé :
« Il est difficile d’avancer et de tirer un trait sur les relations qui ont eu un profond impact dans notre vie. Celles qui vous font voir, penser, faire les choses autrement, à jamais. Ce sont parfois des relations courtes, mais dans mon cas, cela a duré plus de dix ans. Ce morceau est à propos d’elle et je l’ai écrit quand j’étais profondément amoureux.
Certains d’entre vous m’ont connu uniquement lorsque j’étais avec elle, alors que d’autres ne nous ont peut-être jamais vus ensemble. Je crois qu’on peut dire que j’ai appris à mes dépens qu’elle était irremplaçable, et avec du recul, qu’elle ne m’avait jamais fait de mal. Néanmoins, en pensant à mes proches, j’ai dû me résoudre au fait que je ne serai jamais en mesure de lui laisser la place qu’elle exigeait dans ma vie. » – Rootwords
Fabio Friedli, aka Pablo Nouvelle, is a young Swiss German soul-boy turned bedroom-rocker whose first album couldn’t get an official release because of all the Marvin Gaye and Smokey Robinson samples that needed clearing. The term “plunderphonics” seems to have been coined for this studio magician thanks to his particular talent for the art of sampling and restitching. Three years later, his new album, All I Need, is less of a post-modernist chop-up job and more of an organic studio project full of contemplative beats and atmospheric vocals, both skillfully employed to tease out a strong feeling of space and mood.
A surprisingly mature and emotionally delicate second album from a 29 year old who, when not winning awards for his work in film animation, finds time to record 4o tracks for his new album in London and Los Angeles. It has slick, catchy, pop/soul electronica stamped all over it, a feast for chill out lounges, downtempo playlists and elegant Manhattan shopping arcades. Though shamelessly commercial in its intention, the album is rich in feeling and texture thanks to a minimalist approach to the production that lets each track breathe in its landscape. Little wonder it struck me as the potential soundtrack to a film featuring hypersensitive characters figuring out their mercurial relationships on a snowy horizon.
Fabio explains that what starts off as a vague musical sketch at home on the keyboard and drum machine then gets elaborated in the studio with a singer who helps co-write and develop the piece turning it more into a song rather than just a sampling mosaic, a new situation for him formerly used to solitary confinement with his machinery. However sampling still features heavily as the vocals are often looped, chopped, slowed down and generally manipulated in some way to create the essential, raw direction of the track. Often compared to the likes of DJ Shadow and The Avalanches, the beats are tight, crisp, the uptempo numbers aching with dance floor potential.
Joined by a drummer and bassist on stage, Pablo Nouvelle will be on tour throughout Europe for most of spring 2016. Quoting Bonobo, the XX and Radiohead as his influences, I wouldn’t be surprised to find the work of Pablo Nouvelle alongside his heroes on heavy rotation on an intelligent radio station near you soon. With the one Marvin Gaye sample on the LP finally cleared, All I Need is out now on the award-winning Dutch label, Armada Music.
Pablo Nouvelle tour dates in March and April are on bandsintown
LEON is composed of two bass players: Raphaël Ortis from Geneva and Louis Schild from Lausanne. Since 2011, they’ve been giving life to this project adopting multiple forms and facets as a duo, trio or quartet, based on improvisation, noise and abrasive rock compositions. They have recently been joined by David Meier on drums and Antoine Läng on vocals. For this second chapter, it’s drummer David Meier’s turn to narrate his insider experiences with the band LEON.
A l’origine, LEON est composé des deux bassistes: le Genevois Raphaël Ortis et le Lausannois Louis Schild. Depuis 2011, ils font vivre ce projet avec ses multiples formes et facettes en duo, trio ou quartet, dans l’improvisation, la noise et le rock aux compositions abrasives. Ils sont aujourd’hui entourés de David Meier (à la batterie) et d’Antoine Läng (voix). Antoine Läng a pris la plume pour raconter de l’intérieur le premier concert de la tournée à swissvibes.
“Je goûte le calme d’une matinée qui se prolonge seul, la tête et les membres qui vibrent de ces cinq jours avec LEON, une résidence au Romandie suivie de deux concerts – le premier sur place à Lausanne puis le second, ce soir, au Bad Bonn de Dudingen – qui initient une série en Suisse pour la sortie de notre premier album. Une respiration bienvenue dans cet enchaînement qui imprime déjà sa marque sur le corps – j’ai dormi quelques heures et la fatigue siffle encore un peu dans les oreilles, la tension musculaire dans le cou fait écho aux rythmes dont les secousses parcourent encore mes articulations et ma voix.
Le temps aussi d’une séance d’écoute et de manipulation de l’album-objet, le dépliage de la pochette, la découverte des photos et illustrations de Lisa Bonard et de Michel Bonvin et le caractère aléatoire de l’agencement du tout qui à la manière d’une composition ouverte s’inscrivent dans le même élan que celui de la musique.
Les quelques jours passés ensemble ont justement été consacrés à travailler sur l’équilibre des sons, un point sensible quand le projet repose sur l’articulation de deux basses selon différents modes. LEON cultive cette particularité du double instrumental sous diverses formations – en duo, en trio avec invité puis avec Kasper T Toeplitz – qu’il l’explore dans l’improvisation noise, l’électroacoustique ou le rock, et Louis et Raphael attachent un soin particulier à jouer sur l’ambiguïté des timbres, les complémentarités rythmiques et les rétrécissements/élargissements du spectre, dont les matières servent à produire des ombres, des reflets, des fantômes ou des jumeaux au même titre qu’elles laissent s’exprimer deux personnalités.
Dans le cadre de ce LEON à quatre, ce jeu crée de nouvelles ramifications dans l’appui rythmique de David et dans l’ouverture vers le texte apportés par la présence d’une voix et demande que d’autres équilibres se créent. L’objectif de la résidence au Romandie est de préparer les concerts à venir en visant l’épure, la création de nouveaux espaces dans les morceaux existants et de travailler sur la complémentarité des gestes et leur partage. Deux pièces récemment écrites jouent sur l’articulation des rythmes et des textes. Elles impliquent une distribution des voix entre tous qui ouvre de nouvelles perspectives en matière de jeu et de substitution des rôles qui caractérise le projet.Au soir du premier concert de la série, une certaine fébrilité mêlée d’excitation est palpable. On se plonge alors dans le concert de Massicot et leurs maillages rythmiques faussement bancals, hypnotiques, dont chaque répétition fait monter l’intensité et pare la soirée d’une couleur obsessionnelle de transe. On en oublie la neige de la journée, les embouteillages et les glissades sur la route, l’angoisse avant de commencer. La salle est pleine quand on prend place sur l’avant-scène, de plein pied pour partager au mieux ce travail de quelques jours et une nouvelle étape dans ce parcours de plus de deux ans ensemble, les yeux dans les yeux avec le public, les amis venus fêter ce moment avec nous.
Le concert se déroule bien si j’en crois mes sensations, je me sens porté par la musique et la présence des gens. Pour l’aspect technique l’enchaînement des parties écrites et des improvisations, l’intégration des nouveaux espaces dans les pièces a l’air de bien fonctionner, et surtout les canaux sont ouverts et l’énergie circule. Après une heure dix de concert on sort de scène, croise des regards, on se prend dans les bras. Le sourire et les encouragements font vraiment du bien. Je rentre vite à Genève – histoire de pouvoir chanter le lendemain – porté par l’adrénaline et l’envie de remettre ça.” Antoine Läng
Figure montante de la scène électronique suisse, FlexFab sort « LOAS », un EP aux basses vibrantes et à l’éclectisme subtil.
Stage
Discret jusqu’en 2015, le neuchâtelois FlexFab s’est imposé comme pièce incontournable du puzzle musical suisse en conquérant la scène. Après avoir fait ses premiers pas publics dans la formation live des Murmures Barbares, le producteur a accroché aficionados et badauds avec des performances pointues et mirifiques. Bien plus qu’une adaptation des tendances actuelles en la matière, son light show (créé par la Supermafia) saisi, prend au corps et porte l’audience dans une danse mystifiante ; le tout en fusion totale avec les dérives sonores de sa création. Du Paléo Festival de Nyon au Montreux Jazz Festival en passant par les Trans Musicales de Rennes, les plus belles scènes lui ont offert leurs planches.
Après son premier mini-album, « Manoir », sorti fin 2014, et son remix remarqué à l’international du « River » d’Ibeyi, FlexFab continue de dévoiler les facettes de son univers et propose en ce début 2016 un nouvel EP, « LOAS », aux saveurs addictives. Ouverture avec « A Bright August Day » en featuring avec Verveine. Réunissez la crème de la scène électro suisse-romande et vous obtiendrez un titre organique, profond et relaxant. Sa continuité croche grâce à cette rythmique et cette basse détonante. La voix de Verveine agit comme un spectre qui donne une dimension percutante au morceau; caractère feutré qui guide les harmonies et expérimentations de FlexFab vers ses plus convaincantes conclusions. La suite de l’EP recèle de surprises tout autant saisissantes.
Epopée spatiale et exubérance électro
Épopée spatiale aux titillements exotiques sur « Break-Fast (feat. Shake It Maschine) ». Escapades trap et hip-hop imposées par « Climax ». Exubérance électro et lettres de noblesse portent « Tricky Martine », titre produit avec Hook, son acolyte des Murmures Barbares. Cris fédérateurs, vocalises orientales et intrusions savanesques portent « Safari » et, alliés au maniement rigoureux du beat, en font l’une des productions les plus intéressantes de l’EP.
L’éparpillement ne fait pas partie du vocabulaire du neuchâtelois. En guise de fil rouge, il offre des atouts à la fois puissants et discrets: crescendo qui emporte avec délicatesse, mains précises qui tissent textures et volupté, beat percutant et envoûtant. Avec « LOAS » et ses productions à la croisée des microcosmes musicaux, FlexFab affûte ses armes et ne manquera pas de continuer son ascension musicale.
Pianist Stefan Rusconi über die Entwicklung seines Trios und das neue Live-Album mit Fred Frith
Mit Rusconi, seinem Trio mit dem Bassisten Fabian Gisler und dem Schlagzeuger Claudio Strüby, reiht sich der Zürcher Pianist Stefan Rusconi seit bald 15 Jahren in die Riege der Erneuerer des klassischen Klaviertrios im Jazz ein. „Garagen-Jazz“ nannten Kritiker ihren charakteristischen, sehr zugänglichen und bis 2012 bei Sony erscheinenden Mix aus Jazz, Rock und Pop, der Einflüsse aus der elektronischen Musik bis hin zum Noise-Rock einer Band wie Sonic Youth – deren Kompositionen sie 2010 auf dem Album „It’s A Sonic Life“ interpretierten – verarbeitet. Nun ist beim eigenen „Qilin“-Label das Album „Live in Europe“ erschienen, das die gemeinsame Tour mit dem amerikanischen Avantgarde-Gitarristen Fred Frith dokumentiert.
Wie habt ihr und Fred Frith euch gefunden? Stefan Rusconi Wenn man seit ein paar Jahren unterwegs ist, denkt man über Gäste nach. Wir haben uns zuletzt immer wieder mal mit verschiedenen Leuten getroffen und sie zum Mitspielen eingeladen. Bei manchen hat es wider Erwarten nicht gepasst, bei anderen sehr gut. Ich glaube, es geht natürlich um Geschmack und eine ähnliche ästhetische Ausrichtung, aber auch sehr viel um Haltung. Was will ich in der Musik oder sogar im Leben? Was ist es, das mich da fasziniert, was ich leben möchte?
Da seid ihr euch mit Fred Frith ebenso einig wie in der Liebe zu extravaganten Sounds? Stefan Rusconi Ja, da decken wir uns mit ihm exakt. Nicht im Musikalischen, die Musik seiner Bands ist ganz anderes als unsere, und das hat ihn ebenso gereizt wie uns. Aber die Grundeinstellung, auf der Bühne in einem definierten Kontext Dinge zu wagen und so anzuspielen, dass sie scheitern könnten, aber dann doch die Kurve kriegen, dieses Spielerische, das teilen wir. Wir kennen ihn inzwischen besser, er ist öfter bei Fabian in Basel zu Besuch, weil er ja in Basel unterrichtet. Wir spielen dann alle mit Fabians drei Kindern.
Einfach einmal geklingelt
Ihr habt ihn also einfach gefragt, ob er mitmachen will? Stefan Rusconi Naja, es war auch ein bisschen Zufall. Wir waren für unsere „Revolution“-Platte in dem Haus, in dem wir immer aufnehmen. Wir bauen uns da immer selbst ein Studio zusammen und nehmen uns selber auf, ganz ohne diesen Strukturdruck, dass Techniker da sind, die gerne nach Hause möchten. Nur aufnehmen, das ist echt einfach. Wir haben einen Techniker, der richtet uns alles ein, und dann darf er wieder gehen. Das ist für den und für uns schön. In dieser Atmosphäre kam uns dann bei einem Track, bei „Alice In The Sky“, die Idee, dass da der Sound von Fred Frith perfekt passen könnte. Und er arbeitete quasi nebenan. Wir haben geklingelt, ihn gefragt, und er war sofort dabei.
So einfach geht das manchmal. Stefan Rusconi Ja, und das ist schon sehr schön, denn zu der Zeit hatten wir noch einen Manager. Und es lief bei solchen Features normalerweise so, dass der Manager einer Agentur oder irgendeinem Assistenten eine Mail schreibt, und dann die Anfrage hin und her geht. Das ist oft ein bisschen verkrampft und komisch. So hieß es halt: Ja klar, lasst uns ein bisschen spielen gehen, in den Keller runter. So ist das Ganze dann entstanden.
Das war dann direkt vor den Konzerten, bei denen das Album entstanden ist? Stefan Rusconi Nein, wir hatten etwa ein Jahr Pause dazwischen. In der hat Fabian immer mehr Gitarre gespielt, weil wir durch Fred gemerkt hatten, wie sehr wir diesen Sound gebrauchen können. Da kamen wir auf die Idee, mit ihm ein paar Konzerte zu spielen. Es hat sich also ganz natürlich ergeben, war kein Festivalprojekt – was auch toll sein kann -, und war deshalb total entspannt.
Ihr tourt jetzt aber gar nicht mit Fred? Stefan Rusconi Nein, im Moment spielen wir ohne ihn. Ich weiß, das ist jetzt nicht im Sinne eines klassischen Marketings. Aber wir hatten viele Gastfeatures zuletzt, und es ist jetzt schön, mal wieder auf einer Tour zu sein, wo wir mal wieder den ganzen Abend nur für uns haben (lacht).
„Die Schweiz ist so klein“
Du hast in Zürich studiert, Fabian in Basel und Claudio aus Luzern. Wie habt ihr euch denn gefunden, damals vor bald 15 Jahren? Stefan Rusconi Die Schweiz ist so klein. Da ist dann halt die eine Jam Session in Bern, die nächste in Luzern, da bist du eine Stunde unterwegs. In Berlin, wo ich seit einiger Zeit wohne, brauche ich die fast, nur um in den Übungsraum zu kommen.
Kann man sagen, dass die klaren Strukturen, das Rhythmische und das Hymnische eurer alten Alben jetzt in einen starken Kontrast zu Noise- und freien Improvisationsphasen treten? Dass also eure Ästhetik offener ist als früher? Stefan Rusconi Ja, das Gefühl habe ich auch. Das hat sich aber schon mit dem „History Sugar Dream“-Album und in den vergangenen zwei Tour-Jahren so entwickelt. Die Funktion von Fred kann auch immer jemand von uns übernehmen. Ich spiele dann halt mehr Synthi-Bass und Fabian Gitarre. Wir haben dann freilich immer noch den Kontext einer quasi konventionellen Band; bei Fred konnten wir wieder auf unsere Ur-Instrumente zurückkommen, gleichzeitig ergab sich sehr viel Raum, eine Spielwiese zum Ausprobieren. Die Stücke sind verschachtelter. Das ist, wo wir jetzt stehen, denke ich.
Esbjörn Svensson hat von seinem Trio mal gesagt: „Wir sind eine Rock-Band, die Jazz spielt“. Trifft das auch für euch zu? Stefan Rusconi Das würde ich nicht sagen. Der Claudio etwa spielt schon ein sehr distiguiertes Jazz-Schlagzeug. Esbjörn Svensson war so zehn Jahre vor uns, aber wir haben das schon mitbekommen: Es war damals richtig, sich ein bisschen zu distanzieren, zu sagen: Wir sind eine neue Generation, wir schauen auf die Geschichte ein bisschen anders, wir haben andere Höreinflüsse. Aber trotzdem: Für uns bleibt Jazz immer ein wichtiger Bezugspunkt. Es gibt halt viele Schnittstellen, auch bei der Film- und Theatermusik, die ich schreibe. Auch für Claudio und Fabian, wir loten unsere eigene Welt aus, eine sehr bildhafte.
„Wir fühlen uns Leuten verbunden, die an den Rändern arbeiten“
Dazu passen die Licht- und Videobegleitung eurer Konzerte. Ihr denkt Musik wohl sehr interdisziplinär? Stefan Rusconi Ja, wir haben an der „Art Basel“ sogar mit einer Modedesignerin gearbeitet, was aber nichts mit „Germans Next Top Model“ zu tun hatte oder an was man so denken könnte. Wir fühlen uns sehr verbunden mit Leuten, die an den Rändern arbeiten, ob die nun vom Film, von der Kunst oder aus der Mode kommen.
Ihr wart früher bei Sony, jetzt habt ihr „Live in Europe“ wie schon zuvor „History Sugar Dream“ beim eigenen „Qilin“-Label herausgebracht, das auch eine Plattform für befreundete Künstler sein soll. Ist die Zeit der Majors für Jazzmusiker vorbei? Stefan Rusconi Ich weiß nicht. Es muss einfach passen, und bei uns hat’s nicht mehr gepasst. Große Labels schauen sich Musik nach einem Verkaufsargument an, und dann läuft die Maschine Major auch. Es gibt immer noch Jazz, den man so unter die Leute bringen kann. Unser Sonic-Youth -Album wurde damals in den Magazinen besprochen, die beim Friseur liegen. Das ist einfach nicht unser Publikum. Wir haben uns auseinanderbewegt bei dem, was so ein Major gut kann, mit uns aber gar nicht mehr umsetzen konnte. Am Anfang war das noch anders, da war alles noch offen. Das hätte Zukunft haben können, das haben wir dann irgendwie anders entwickeln lassen. Bei einem Till Brönner zum Beispiel, ein toller Musiker, mit dem ich auch schon gespielt habe, kann das prima funktionieren. Für uns aber sind gewisse konkrete Erwartungshaltungen inzwischen ein Horror. Wir fühlen uns sehr wohl, wo wir sind. Auch wenn die Konsequenz ist, dass alles etwas länger dauert, und die Leute dich ein bisschen suchen gehen müssen. Das ist aber auch was Schönes, das hat für uns viel mit einer Lebenshaltung zu tun, bei der wir alles an uns genommen und unter Kontrolle haben. Das färbt auch auf die Musik ab: Es ist dann etwas konsequent Eigenformuliertes.
Schon seit Jahrzehnten gibt es ein paar Streichquartette, die von der reinen Lehre abgefallen sind. Das Kronos Quartet und das Turtle Island Quartet (interessanterweise beide aus San Franzisco) oder das Modern String Quartet in Deutschland betrieben seit den Siebziger und Achtziger Jahren, was man so unglücklich als Crossover bezeichnet hat. Doch erst mit der Genre-sprengenden und Stil-übergreifenden Bewegung des europäischen Jazz aber hat die Streichquartett-Szene wirklich Fahrt zu einem eigenen neuen Format aufgenommen. Ensembles wie das radio.string.quartet.vienna aus Österreich, das Atom String Quartet aus Polen oder das ursprünglich rein klassische Quatuor Ebène aus Frankreich eröffneten der Besetzung neue Wege.
Neue Maßstäbe
Das Schweizer Kaleidoscope String Quartet setzt jetzt mit seinem zweiten, beim Berliner Traumton Label erschienenen Album „Curiosity“ noch einmal neue Maßstäbe.Das mag damit zusammenhängen, dass die vier Musiker, abgesehen von der so gut weil allen Streichern gemeinsamen klassischen Basisausbildung aus ganz verschiedenen Ecken kommen.
Geiger Ronny Spiegel hat sich neben zahlreichen Konzertmeister-Tätigkeiten bei klassischen Orchestern wie der Sinfonieorchester Tifico und Nota Bene,dem Neuen Züricher Orchester, des ad hoch Ensembles, der Zuger Sinfonietta oder der Camerata Schweiz vor allem in der Klezmer – und Balkan-Szene getummelt.
Bratschist David Schnee hat sich neben dem Züricher Galatea-Quartett insbesondere auf freie Improvisationsmusik verlegt und leitet einen Musiker-Pool für Filmmusiken.
Cellist Holme Song ist von der härteren Fraktion und spielt vorzugsweise in Rockbands.
Und der Berner Geiger Simon Heggendorn, sozusagen der Primarius und vorrangiger Komponist des Quartetts, hat neben dem Konservatorium auch die Swiss Jazz School absolviert. Dass alle vier stets einen gemeinsamen Nenner suchen, dabei aber ihre jeweiligen Qualitäten einbringen, macht das Besondere und Überraschende von „Curiosity“ aus.
Klassischer Ton und Jazz-Spirit
Schon beim Opener „Sommer“ wird die fröhlich-klassische Grundmelodie auf verschiedenste Weise gebrochen, durch harte Pizzicati, Ausritte in südosteuropäischen Melos oder folkige Riffs. Das folgende „Winter“ übertragt das ins elegisch-getragene Moll. Die meisten Stücke, vom „Choral“ bis zur „Rhapsody in D“, arbeiten mit extremer Dynamik und dem spannungsreichen Kontrast aus weichen, gezogenen Linien und synkopiertem Stakkato sowie aus harmoniebetonten Melodien und dissonanter Begleitung. Ein enormer Fundus, der dem Titel „Kaleidoscope“ mehr als gerecht wird.
Die vier selbst scheuen sich, einen Stilbegriff für ihre Musik zu verwenden. Im Ton sind sie klassisch, ihr Material aber ist wie bei einer Rockband selbstgeschrieben und selbstbestimmt, und die Aufführungspraxis wiederum ist vom Jazz-Spirit durchdrungen, verändert sich doch der konkrete Klang der bis auf Solopassagen ausgeschriebenen Stücke im Zusammenspiel von Konzert zu Konzert. Dazu passt, dass das Kaleidoscope String Quartet im Januar mit dem Jazz Orchestras des SwingBop-Altmeisters Joe Haider (gemeinsames Album: „Keep It Dark“) auf Tour geht. Beweist es doch, dass sich der Jazz auf zwei Arten immer mehr der klassischen Musik nähert: Als „Zweite Klassik“ einer historisierenden Repertoire-Musik und – wie „Curiosity“ eindrucksvoll belegt – als die eigentlich moderne komponierte Kunstmusik.
Rootwords puise la source de ses créations dans la culture hiphop. Loin de se contenter de recréer l’actuel ou le passé, le rappeur genevois d’origine américaine et zambienne mêle hiphop et influences éclectiques. Le résultat ? Des univers hétéroclites, entre tendances et old school, guidés par le verbe consciencieusement aiguisé de Rootwords, qui mènent l’auditeur dans un voyage musical aux multiples facettes.
Après avoir présenté son premier album, “The Rush” (en 2014), et les EPs de ses débuts sur les scènes suisses, françaises, italiennes, allemandes ou encore chinoises de renom, Rootwords aborde 2016 avec un nouvel EP au concept peu commun. Composé de six titres qui sortiront au compte-gouttes chaque 25 du mois, “Inappropriate Behaviour” oscille entre titres en solo et collaborations avec des artistes des quatre coins de la planète. Toujours plus ancré dans la lignée des artistes citoyens du monde, Rootwords propose chaque mois sur swissvibes un nouveau chapitre de cet EP avec ses impressions.
Pour inaugurer la série, Rootwords offre ce mois le titre “Move” en featuring avec Muthoni The Drummer Queen, énergique et talentueuse artiste kényane. Un beat aux basses prenantes où les flow des deux artistes s’allient pour condamner l’hypocrisie du rap:
« Une des choses qui me dérange le plus dans le rap est la capacité de beaucoup de rappeurs à être “faux” . Leurs chansons parlent de deal, d’armes à feu, d’assassinats, de proxénétisme, d’argent, de voitures, de putains etc. OK, cela ne date pas d’hier, mais je ne l’accepte quand même pas!
« Move » a donc été écrit avec l’intention délibérée de surprendre mon public. J’ai choisi une instru inspirée du trap, composée par GR! et Hook basés en Suisse, sur laquelle j’ai posé des paroles et flows avec beaucoup d’ironie afin de condamner de tels comportements. Cerise sur le gâteau, j’ai invité une vraie artiste africaine, internationale et combattante du nom de Muthoni The Drummer Queen, pour vous montrer ce qui est vraiment bon.
C’est comme ça que le Hip Hop doit sonner ! »
Rootwords – “Move” (feat. Muthoni The Drummer Queen) est disponible en téléchargement gratuit sur Soundcloud.
venue in Düdingen celebrates its 25th anniversary this year with – amongst other things – the publication of a unique book: over the past few years, bands appearing at this idyllic location in the rolling green hills near Fribourg have been asked to donate one song each for the project. Some sent sheet music, others sent drawings, poems, chord sequences and collages. “The Bad Bonn Song Book” collects 140 of these in a splendidly glittery coffee table book published by Edition Patrick Frey in Zurich.
The impressive and diverse list of participants ranges from Flaming Lips and Bonnie “Prince” Billy to Goat, Jandek, Sebadoh, Sleaford Mods and Suzanne Vega. To launch the book, Bad Bonn came to the legendary Rough Trade East shop off London’s Brick Lane. The choice of venue made sense: Most of the lyrics in the book are in English, many of the artists involved are from the UK, and the shop carries one of the most comprehensive selections of music-related books anywhere. The two-pronged event attracted an excellent crowd of around 150 people.
silos instead. Following the discussion – the conclusion: of course it would! -, Richard Dawson, a highly original singer/songwriter from Newcastle and a happy regular at Bad Bonn, gave a breathtaking solo performance, sometimes with his battered guitar, sometimes acapella.
Incontournable de la scène musicale suisse, 
Le temps aussi d’une séance d’écoute et de manipulation de l’album-objet, le dépliage de la pochette, la découverte des photos et illustrations de Lisa Bonard et de 
Épopée spatiale aux titillements exotiques sur « Break-Fast (feat. Shake It Maschine) ». Escapades trap et hip-hop imposées par « Climax ». Exubérance électro et lettres de noblesse portent « Tricky Martine », titre produit avec Hook, son acolyte des Murmures Barbares. Cris fédérateurs, vocalises orientales et intrusions savanesques portent « Safari » et, alliés au maniement rigoureux du beat, en font l’une des productions les plus intéressantes de l’EP.
Stefan Rusconi Nein, wir hatten etwa ein Jahr Pause dazwischen. In der hat Fabian immer mehr Gitarre gespielt, weil wir durch Fred gemerkt hatten, wie sehr wir diesen Sound gebrauchen können. Da kamen wir auf die Idee, mit ihm ein paar Konzerte zu spielen. Es hat sich also ganz natürlich ergeben, war kein Festivalprojekt – was auch toll sein kann -, und war deshalb total entspannt.
Schon seit Jahrzehnten gibt es ein paar Streichquartette, die von der reinen Lehre abgefallen sind. Das Kronos Quartet und das Turtle Island Quartet (interessanterweise beide aus San Franzisco) oder das Modern String Quartet in Deutschland betrieben seit den Siebziger und Achtziger Jahren, was man so unglücklich als Crossover bezeichnet hat. Doch erst mit der Genre-sprengenden und Stil-übergreifenden Bewegung des europäischen Jazz aber hat die Streichquartett-Szene wirklich Fahrt zu einem eigenen neuen Format aufgenommen. Ensembles wie das radio.string.quartet.vienna aus Österreich, das Atom String Quartet aus Polen oder das ursprünglich rein klassische Quatuor Ebène aus Frankreich eröffneten der Besetzung neue Wege.
