Puts Marie: «Laut, vulgär und skurril sind unsere Konzerte immer noch»

©joelle Neuenschwander
©joelle Neuenschwander

Max Usata, Sänger der Bieler Band Puts Marie, wanderte 2009 kurzentschlossen nach New York aus. Niemand wusste, was aus Puts Marie wird. Und so suchte man neue Perspektiven. Es entstanden sechs Kinder, ein Gitarrenladen, ja sogar eine Broadway-Karriere. Neue musikalische Projekte wurden in Angriff genommen. Die Ankündigung Ende letzten Jahres, dass Puts Marie ihre EP «Masoch» beim Lausanner Label Two Gentlemen veröffentlichen, kam dann auch unerwartet.

Nun sind sie zurück auf der Bühne: Reifer und mit frischen Songs, die eine neue, ernsthaftere Note einschlagen, ohne dabei auf die Energie ihrer früheren Auftritte zu verzichten. Max Usata erzählt uns von den Veränderungen und den Plänen von Puts Marie.

In einem Interview habt ihr gesagt, dass ihr euch während der Auszeit viel musikalisches Know-how angeeignet habt. So konntet ihr bei der Aufnahme von «Masoch» eine andere Qualität in eure Musik einbringen. Inwiefern beeinflusste dies das Songwriting?

Max Usata: Wir redeten damals von zwei verschiedenen Dingen. Einerseits haben wir das technische Know-how gemeint: Unser Gitarrist Sirup hat sich als Sound Engineer immer mehr Wissen angeeignet, indem er sein Tonstudio immer mehr ausbaute und immer mehr Studio-Aufträge an Land zog. Das hatte einen starken Einfluss auf die Soundqualität. Zudem hatten wir das Glück, Leute wie Jeff Stuart Saltzmann und Dave McNair an Bord holen zu können In der Postproduktion hatten beide einen starken Einfluss auf den Sound von «Masoch», auch wenn die Aufnahmen von Sirup schon sehr gut waren.

Anderseits ist die Band über die Jahre durch Tüfteln und durch viel Spielpraxis immer wieder auf neuen Sound gestossen, vor allem was den des Basses, der Gitarre und der Orgel angeht. Das hört man nun auf der neuen Platte. Sicherlich wurde dabei auch das Songwriting beeinflusst. Die Lieder haben viele Instrumental-Parts, was aus dem neuen Sound hervorgeht.

©Jenna Calderari
©Jenna Calderari

Sind die klanglichen Veränderungen in eurer Musik ein Resultat des abrupten Bruchs im Jahr 2009? Wird das Thema in euren aktuellen Songs überhaupt angesprochen?

Max Usata: Nicht direkt, nein. Eher indirekt. Dass sich jeder danach umorientierte und andere musikalische Projekte verfolgte, hatte am Ende wohl am meisten Einfluss, denke ich. Wir und alle um uns herum wurden älter und reifer, was sich auch in einer grösseren Offenheit gegenüber Neuem, Unsicherem und allem, was vor uns liegt, zeigt.

Ihr beschreibt eure neuen Songs als schwerer, ernsthafter, egoistischer. Es ist nicht mehr das oberste Ziel, die Leute zum Tanzen zu bringen oder Party zu machen. Hat das die Art, wie ihr auf der Bühne Musik macht, verändert?

Max Usata: Das ist schwer zu sagen. Es macht ja immer noch unglaublich viel Spass, auf der Bühne Musik zu machen. Was heisst schon Party machen? Ja, vielleicht ist es schwieriger zu den neuen Songs zu tanzen. Laut, vulgär und skurril sind unsere Konzerte aber nach wie vor. Das klingt für mich eher nach Party als bloss wildes Getanze.

Ihr seid in den letzten Jahren sesshafter geworden. Wie sehen eure Pläne aus? Zieht es euch ins Ausland?

Max Usata: Ins Ausland? Ja, bitte! Unbedingt! Das wird nur eine Frage von guter Organisation sein. In der Vergangenheit haben wir sehr oft im Ausland gespielt und uns liegt viel daran, dies auch weiterhin zu tun. Puts Marie gehört ins Ausland. Sowohl was die Musik als auch die Einflüsse anbelangt, fühlen wir uns dort zu Hause. Wir haben viele Freunde ausserhalb der Schweiz und wollen auch für sie spielen. Es gibt dort andere Bühnen, andere Stimmungen und andere Situationen, die wir mit vielen guten Erinnerungen verbinden. Und nach Japan wollen wir auch!

Die EP «Masoch» ist am 10. Dezember 2013 bei Two Gentlemen erschienen. Am 29. Mai 2014 treten sie an der Bad Bonn Kilbi auf.

Und noch: Neuchâtel, Festi’Neuch am 13. Juni. Zurich, Wipkingen Openair am 20.Juni. Pully, For Noise Festival am 23. August. Orprund, PFF, am 29. August. Tavannes, am Le Royal am 7. November

 

Truffaz et Treichler en version symphonique!

105406-erik-truffaz-mon-souci-faire“Avant l’Aube”: Erik Truffaz travaille depuis de longs mois sur ce projet ambitieux de poème symphonique pour orchestre, sampler et trompette. « L’ensemble de la pièce musicale sera décliné en huit parties qui narreront une nuit dans la vie d’un homme, du crépuscule à l’aube, en traversant des atmosphères pouvant être aussi bien romantiques qu’orientalisantes. » explique le jazzman musicophage. Originaire de France voisine, Erik Truffaz est Suisse d’adoption. Ce projet transfrontalier ne pouvait que lui plaire.

« Concevoir un disque ou un concert, c’est comme un bon film, il est important d’alterner les moments de tension et de détente.»

Pour l’Ensemble symphonique de Neuchâtel, pour l’Orchestre Victor Hugo Franche-Comté, Erik Truffaz a composé un programme qui s’inspire de Steve Reich, Bèla Bartòk mais aussi d’Ennio Morricone parce qu’il réussit à car il réussit à « concilier des airs populaires avec une musique plus savante ». Ses parties de trompette seront quant à elles largement improvisées.

Side by Side

Last but not least, participe à ce projet un autre de nos héros nationaux, Franz Treichler qui, bien que les pieds fermement ancrés dans le rock, partage le même éclectisme musical que Truffaz. Ses séquences seront autant de surprises pour viendront sous-tendre ou s’opposer aux mouvements de l’orchestre.

franztryptiquecouleur

Cette création sera présentée sur les scènes nationales de Besançon et Montbéliard, au Théâtre du Jorat de Mézières et à Festi-Neuch. Elle est soutenue par l’union européenne dans le cadre d’un projet intitulé Side by Side et dont vous devriez bientôt en savoir plus sur ce blog. Hautement recommandé.

« Concevoir un disque ou un concert, c’est comme un bon film, il est important d’alterner les moments de tension et de détente. Il peut y avoir des passages complexes, pouvant déconcerter. Mais pour que l’ensemble soit accessible sur la durée, il faut aussi des temps où l’auditeur peut être transporté par une mélodie, par un rythme. Je fais très attention à cet aspect quand je compose, parce que c’est bel et bien la mélodie et le rythme qui relient la musique aux émotions. »

27 mai, Scène Nationale de Besançon

2 juin, Scène Nationale de Montbéliard

8 juin, Théâtre du Jorat, Mézières

15 juin, Festi-Neuch

[vimeo http://vimeo.com/91602713]

 

 

 

Bit-Tuner: «The Japan Syndrome»

bit-tuner_by_martinrichi_3.jpg__630x400_q80_crop_upscaleMarcel Gschwend ist Bit-Tuner. Seit 1997 produziert der St. Galler, der mittlerweile in Zürich lebt, basslastigen Electro, spannt mit Rappern wie Dani Göldin zusammen, vertont live Stummfilme und spielt Bassgitarre bei Stahlberger, der Band, die mit ihrem dritten Album «Die Gschicht isch besser» auch die Schweizer Hitparaden erobert hat.

Solo veröffentlichte der 36-Jährige zuletzt «The Japan Syndrome», das nun auch auf Vinyl erschienen ist. Es ist nach «The China Syndrome» bereits die zweite Platte, die während seiner Live-Residency im Zürcher Club Helsinki entstanden ist.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=Vz5eC3dKZ2U&w=640&h=360]

Auf «The Japan Syndrome» bringt Bit-Tuner seine Sounds aus seinem stetig anwachsenden elektronischen Gerätepark mit Alltagsgeräuschen zusammen, die er auf seiner Japanreise im Frühling 2013 gesammelt hat. Grossstadtlärm und Vogelgezwitscher treffen auf mächtige Bässe, auf Beats, die sich langsam entwickeln und auf zirpende Höhen.

So entwickelt sich eine eigentümliche Dub-Atmosphäre, die zwischen tiefen Strassenschluchten und Stadtpark und zwischen Club und Schlafzimmer anzusiedeln ist. Bit-Tuner ist auf «The Japan Syndrome» einmal mehr ein überaus einfallsreicher Soundarchitekt, der auch dank seinem Band-Hintergrund weit über die Electro-Landschaft hinausweist.

Bit-Tuner: «The Japan Syndrome» (Hula Honeys)

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=VExkiTt_dtg&w=640&h=360]

 

Bit-Turner Konzerte: 21 May, Rote Fabrik (Zurich), 23 May TabTap (Shaffausen), 24 May, Palace (St.Gallen) und mehr…

Colin Vallon speaks about “Le Vent”

Colin Vallon © Petra Cvelbar“Le Vent” is Colin Vallon‘s second album for the prestigious label ECM. Listening to it, or to him speak, you might think he’s a bit soft – a gentle soul. There’s a distinct aesthetic to his playing, it’s mindful and sombre as if remembering a lost love. Interviewing him, I found an assured and fiery spirit; a pianist with a clear intelligence, driven to carving out his own, individual path.

“From the moment I could stand I tried to press down the keys”

Music was always around Vallon – when most families were arguing at Christmas, his was gathering at the ever-present piano, singing hymns and Gospel. “I loved the sound of the instrument, from the moment I could stand I tried to press down the keys”. Despite this, he quit piano at the age of 12 because he could no longer play by ear and reading music frustrated him. Then two things happened: his uncle taught him some blues chords that he could play, “Without paper in front of me” and he saw a solo concert of Keith Jarrett, “It was really amazing to hear that.”

He returned to music lessons at 14 and began composing. By 19 he was at the University of Arts in Bern and had his own trio. Here he found the American theory of copying the standards until you could imitate them too restrictive. “But this was also very good for me,” he says, “because it meant that if I wanted to do something of my own then I had to do it really on my own and to be more didactic in terms of composing. I was really independent.”

“It’s a music that has something very raw about it”

However the composition tutor, Frank Sikora, inspired Colin and for his class he recorded, “A huge fence or gate that was screeching, making harmonics and noises.” By 2002 he developed this interest in strange sounds with prepared piano techniques and had begun an enduring curiosity for Eastern European music. “It has something very raw about it and, like this fence maybe [that he’d recorded], it’s a very different sound and it’s something that caught me immediately.” He joined a band with the saxophonist Sascha Schönhaus playing Balkan music and discovered one of his “desert island records”, Le Mystère des Voix Bulgares.

A journey in Albania

Meeting Elina Duni provided fertile creative soil as Albanian music opened up to him and the Trio’s third album, (their first for ECM) was entitled Rruga, the word for “path” or “journey” in Albanian. It was critically acclaimed, so did this make it hard to follow? “There was a bit of pressure,” admits Colin, “not from the label, but from myself..it’s hard to come with a second album…and changing the drummer [from Rohrer to Sartorius], but in the end I’m really happy with the results.”

“There are a few goodbyes, a tribute to Asita Hamidi”

Colin found his material came naturally as he dealt with several deaths and saw a suicide jump from a bridge. “Le Vent was an elegiac album, a lot to do with death…and the passing of time and life. It sounds really dark but it’s not just about that…There are a few goodbyes, a tribute to Asita Hamidi [the harp player] who died…things that are a part of life but I needed to express somehow.” It’s Vallon’s careful listening for, then stating his own truth, that makes him a compelling artist.

Colin Vallon “Le Vent” (ECM)

On tour:

26/04/14 Jazzahead, Bremen DE
27/04/14 A-Trane, Berlin DE
29/04/14 Mokka, Thun CH
30/04/14 Bee-Flat, Bern CH
03/05/14 L’Azimut, Estavayer-Le-Lac, CH
13/05/14 Mokka, Thun CH
17/05/14 AMR Genève, CH
27/05/14 Mokka, Thun CH
01/06/14 Green Hours Festival, Bucarest RO
07/06/14 Paris Jazz Festival, Paris FR

L’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp prend son envol

Il est la coqueluche de la presse suisse et française. Samedi 26 avril, il est l’invité du des Inouïs du Printemps de Bourges, un concert important qui s’inscrit dans une tournée française et allemande bien remplie.

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Il, c’est L’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp. Vincent Bertholet, bassiste, fondateur et leader de cette formation, a réuni dans cet intitulé à rallonge deux de ses grandes sources d’inspiration : les big bands postindépendances africaines et l’artiste français inventeur du ready made, connu pour son sens du jeu, de l’humour et de la distance. L’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp est né il y a huit ans, d’une carte blanche offerte de la Cave 12, haut lieu des musiques expérimentales et alternatives du bout du lac.

C’est grâce à « Rotorotor », son troisième et récent opus, produit par John Parish (PJ Harvey, Eels…) que l’OTPMD fait sensation. Le producteur anglais a su trouver le son juste pour emballer ces drôles de bacchanales rock’n’roll où marimba et groove puissant entrent en collision avec la voix de la chanteuse et poétesse Liz Moscarola. La transe de l’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp peut désormais prendre son envol.

Comment gérez-vous  ce soudain succès critique et les dates de tournée qui se multiplient ?

Vincent Bertholet Ça nous fait rire… On sait que tout cela est très éphémère, mais on en profite à fond. C’est incroyable, aujourd’hui on pourrait même refuser des concerts….

Comment expliquez-vous cet engouement ?

Vincent Bertholet L’argent y est pour beaucoup. Nous avons reçu une bourse de la ville et de l’état de Genève. Nous avons ainsi pu engager des professionnels qui eux-mêmes ont fait fonctionner leur réseau. Nous nous sommes aussi assagis. Avant on était plus expérimental. Ce nouvel album s’est fait en deux ans ; on a rôdé les titres sur scènes avant d’entrer en studio. Enfin, il y bien sûr l’effet John Parish et son art du mixage. Jusque-là, on ne savait pas faire des disques…

D’où vient ce goût pour le télescopage musical ?

Vincent Bertholet Je peux aussi bien écouter un joueur de guimbarde, que du punk ou des musiques africaines. Je n’ai d’ailleurs jamais compris les gens qui aiment exclusivement une forme de musique. La carte blanche de la Cave 12 m’a donné envie de mettre ensemble des musiciens qui ne se connaissaient pas et de proposer à une danseuse de venir faire la voix. D’autres musiciens ont ensuite remplacé les premiers. A chaque fois, c’était pour aller vers le mieux, mais en gardant la même direction musicale. On pourrait changer tous les membres de la formation sauf Liz Moscarola (la chanteuse). Je partage les mêmes goûts que Liz et si je vois qu’elle croche à un morceau, cela me conforte dans mes choix.

Comment composez-vous ? 

Vincent Bertholet Le plus souvent, je pose un rythme à la contrebasse, parfois un thème. Après on cherche, puis je sélectionne. L’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp n’a pas du tout un fonctionnement démocratique.

Vos envies ? 

Vincent Bertholet  Je me lasse très vite de tout. Pour le moment nous n’arrivons pas à faire durer nos morceaux. C’est un de nos objectifs. J’aimerais avoir un orchestre de 15 musiciens et remplacer la section de cuivres par un ensemble de cordes. Evidemment Fela est la référence absolue en la matière. Il arrive à faire des morceaux de vingt minutes avec pas grand chose. Le plus difficile c’est toujours de faire simple.

Bandcamp de l’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp

Dates de la tournée française et allemande du groupe

https://soundcloud.com/banlieues-bleues-1/orchestre-tout-puissant-marcel

Disque du mois d’avril: PommelHORSE “Wintermadness”

1500X1500PIXEL-01Attention! ce jeune groupe de Berne est entrain de bousculer le monde du jazz. PommelHORSE est l’un des cinq groupes suisses (sur les dix-huits groupes européeens) participants à la journée “European Jazz Meeting” de Jazz Ahead le 26 avril à Brême. PommelHORSE est sans aucun doute la manifestation d’une nouvelle génération de musiciens post-Internet, une génération qui assimilé à la vitesse de l’éclair une somme de musiques impressionnantes.

Impossible d’expliquer sinon comment d’aussi jeunes musiciens (bernois) peuvent avoir intégré  autant de styles musicaux différents. Du stadium rock aux musiques de danse électroniques, du jazz aux musiques expérimentales, du heavy metal au classique, ce deuxième poursuit la voie d’un jazz mutant amorcée en 2012 dans son premier opus éponyme.

PommelHORSE a choisi pour nom « cheval d’arçon ». A cet accessoire de gym sur lequel chaque écolier s’est un jour laborieusement escrimé à faire des culbutes, il donne une nouvelle dimension, toujours faite de pirouettes et de sauts, mais désormais ludiques et enjoués. Car PommelHORSE ne cite jamais littéralement, il jongle avec les rythmes, les balises musicales. Il impose son souffle, sa griffe pour évoquer des ambiances, des sensations comme ce « moving sidewalk » dans lequel on s’immerge rapidement en s’imaginant évoluer sur un sol mouvant. Un voyage intérieur faite de sensations et d’impressions à découvrir absolument.

PommelHORSE, Wintermadness (Unit Records)

 

VEIN, Russland-Tagebuch (Teil 5)

Russland87Konzert Nummer 8 und 9 der Tour brachten uns nach Litauen und Weissrussland.
Zuerst spielten wir in der Philharmonie in Ukmerge, eine kleine Stadt in der Nähe von Vilnius. Hier hatten wir bereits vor drei Jahren beim Crossdrumming-Festival eine Auftritt.
Danach hatten wir unseren krönenden Abschluss im grossen Saal der ausverkauften Philharmonie von Minsk. Nach mehreren Zugaben beendeten wir schliesslich das letzte Konzert dieser erlebnisreichen Tour.
Nach 9 Konzerten, 15 Flügen, 18128 zurückgelegten Reisekilometern erreichten wir, übermüdet und überwältigt von den vielen Eindrücken, schliesslich den Bahnhof SBB Basel.
Russia we’ll be back!!!

VEIN

VEIN, Russland-Tagebuch (Teil 4)

moskauKonzert Nr. 5 unserer Russland-Tour fand in Nizhny Novgorod statt. Hier bestätigte sich der Trend den wir bereits in den bisherigen Konzerten in Russland erkannt haben: volle Säle mit sehr jungem, euphorischem Publikum. Danach ging es mit dem Zug weiter in die Weltstadt Moskau, wo wir, nach einem kurzen Besuch dem roten Platz, in einem stimmungsvollen Club namens Dom, anlässlich des 10. Todestages des Clubgründers, spielten. Verschönert wurde dieser Tag durch unsere charmante Moskau-Reiseführerin Ksenia. Gleich nach dem Gig mussten wir zum Flughafen eilen um noch rechtzeitig den Flug nach Krasnojarsk (Sibirien) zu erwischen. Dort spielten wir zusammen mit der Genfer Band Plaistow ein Doppelkonzert in der ausverkauften Philharmonie. Ein schönes Erlebnis und ein grosses Vergnügen unsere Schweizer Kollegen live zu hören!

Rusconi at Cully Jazz Festival

ImageI was reminded of the story of the Sorcerer’s Apprentice watching this trio perform. Keen to make magic and mischief, Rusconi sometimes found themselves unable to control the proceedings. This was the first gig of the tour and I think their playfulness will win over audiences, they just needed more child-like energy, a sort of innocent conviction, to pull it off at Cully. However, the band were most captivating when they painted afresh their best compositions from the new album, History Sugar Dream.

‘Psychedelia for Laika’
Ankor was a trademark piece, with Stefan Rusconi’s mournful yet sweet piano, rich with echo and thought, sensitively interlaced with Fabian Gisler’s handsome bass notes. The sparse, crispy drum beats of Claudio Strüby balanced the sound perfectly. Sojus Dream used a repetitive theme as its foundation before a synth keyboard sneaked in, providing Herbie Hancock-like funky accents. The track grew in stature as it built a platform for Fabian’s electric guitar to glide through, providing, as they tell us, ‘psychedelia for Laika,’ the dog who was sent out to orbit the earth in 1957 (and died within hours of lift off). I didn’t feel Fabian pierced deeply enough, so it was down to Stefan’s collapse into a warped and weird circus-style piano to trip the track out.

Bowie’s Life on Mars? started up
So, to the ‘high jinks’ – such as swapping instruments amongst themselves, as in Change (Part One), with Claudio on piano, Fabian on drums and Stefan on guitar, and stopping everything for Fabian to put a record on the Technics deck set up onstage. Bowie’s Life on Mars? started up, complete with vinyl crackles to re-enforce the theme of History Sugar Dream – childhood memories, “A time when dreams and hopes, fantasy and illusion, were reality,” as they write in their press release.

This trio is capable of subtle and complex emotions
I like the way Rusconi seem to feel their way through unknown landscapes in their music, playing with fantasy. At one point I thought of dark, rainy scenes in the film Blade Runner with its sense of nostalgia, loss and romance. This trio is capable of subtle and complex emotions. I’d like to have been taken more deeply into these worlds, that’s where the real playfulness lives.

 

VEIN, Russland-Tagebuch (Teil 3)

VEIN meets Mr Universe! Third postcard received from VEIN today at Swiss Vibes
Vein meets Mr. Universe (2)
Unsere 4. Station der Russland-Tour war St. Petersburg. Möglicherweise eine der beeindruckendsten Städte der Welt. Hier spielten wir im JFC, einem schönen Club.
Es war eine riesen Freude Thomas Buser, einer der besten Freunde in Thomas Lähns’ Kindheit zu treffen. Als Lähns 11 Jahre alt war, gründete er zusammen mit Buser seine erste musikalische Gruppe, die Heavy Metal Band “Die Barbaren”. Während Lähns Musiker blieb, gewann Buser in der Zwischenzeit den Titel des Mister Universe!!!
VEIN
St. Petersburg, 10.04.2014