The Treichler-Pizzi-Trontin Experience @ tHBBC (Cully Jazz Festival)

©J.-Ch Arav www.sweat-and-tear.com
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Described as “a laboratory of ideas, where you will assist the birth of creation live and direct, public jam sessions, pure sound research”, there’s a sense of anticipation in the air as I wait for The Treichler-Pizzi-Trontin Experience to take to the small stage at the Hundred Blue Bottle Club. It’s the last night of their OFF festival residency in Cully and a tightly-packed crowd of loyal Young Gods fans of all ages are giving off the distinct impression that something thrilling and unique is about the take place. It’s the coming together of well-seasoned, deeply-connected musical partners still capable of enthralling their audience with new ideas and aural concepts. The three musicians share a musical history of almost 30 years, yet everybody present knows that old school nostalgia is not on the menu tonight.

A tight whirlwind of gripping sound

Indeed, for those not familiar with the three-decade towering inferno that are Treichler and company, it might be a surprising sight to see men over 50 producing such a tight, trancy, experimental, head-nodding wall of sound. From the get-go there is a sense of journey, like being yanked onto a rhythmic train moving with pleasant urgency from station to station, hypnotising you with varying degress of intensity and volume along the way. Rhythms are created slowly, electro beats taking their time before coming at you like a whip and ensnarling you into a tight whirlwind of gripping sound.

 It’s a technological playground for bedroom rockers
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Franz Treichler, the archetypal gum-chewing rock legend, weaves his often unintelligeble vocals in and out of the soundscape tapestry. His words are at times irrelevant and haphasard but serve to add a darker edge to the swirling, dubby rhythms. Interesting effects are used to create echo, reverb, loops and playback – it’s a technological playground for bedroom rockers who like their soundtrack trippy, hypnotic and just that little bit sinister. When things get a little too bouncy, Treichler comes in with a good dose of tough-love guitar to remind us there is beauty in light and shade. However, for me, the greatest of props go to drummer, Bernard Trontin, who steers a tight ship full of funky breakbeats and unparalleled rhythmic structure. Watching his dexterity and joy behind the drumkit is a rare delight.

Four questions to Franz Treichler
What was your reasoning behind “a laboratory of ideas”?

Franz Treichler: We were invited to do a residency at the Hundred Blue Bottle Club as part of the OFF festival at Cully Jazz. It seemed a perfect occasion to try out new ideas without the pressure of having to play Young Gods material. The OFF festival attracts a very open-minded audience at Cully, the atmosphere on stage is very free, basically ‘anything goes’. This felt appropriate for the band. Some ideas were born in the afternoon and played out the same night. Tracks changed every evening. I played guitar in a style I don’t normally use for The Young Gods, the same for my vocals – I couldn’t really call it singing, it was more sound improvisation and throwing things into the mix. There weren’t even any track titles, each piece was considered a session, a one off.

Why didn’t you bill yourselves as The Young Gods?

Franz Treichler: This would have changed the expectations of the audience and would have limited our freedom to experiment. We really wanted to create a mysterious vibe during the residency, encourage the listeners to be curious and progressive with us. Expect the unexpected.

What was happening on stage from a technical point of view?
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Franz Treichler: Cesare and I both had computers loaded with programmes that activate sound, sequencing, loops and pitch. Our computers were synchronised so that I could affect what he was playing and vice versa whilst keeping in rhythm. It was a very free and interactive process, although I must admit that there were times when it was hard to know who was doing what! What we set out to create was a sound of elevation, (music doing the job of the drugs!)

Is this in some way the future sound of The Young Gods?

Franz Treichler: We’d like to do something for the next album that’s in a similar vein, by that I mean not totally sequenced. We’ve always been categorised somewhere between rock and electronic music. It would be good to expand our experimental ambiant side, something less structured, more free.

Band line up:

Franz Treichler – vocals, guitar
Cesare Pizzi – keyboard, sample
Bernard Trontin – drums

Découverte: Jibcae au Cully Jazz Festival

150411_053Mains jointes ou offertes, poing tendu, le corps ondulant ou sautillant, la chanteuse Claire Huguenin impose d’emblée son style très particulier. La vocaliste de Bulle dont tout le monde parle a choisi de dévoiler en formule acoustique son premier projet solo, Jibcae, au Temple de Cully. Jibcae est un OVNI musical qui tente des ponts audacieux entre des penchants musicaux et sentimentaux extrêmements variés. Claire Huguenin est du genre à frapper vite et fort. Pour donner le ton, elle enchaîne trois morceaux d’une intensité folle, dont un a cappella poignant. Elle happe ainsi l’auditoire dans son monde d’introspection, un monde le plus souvent obscur qu’elle illumine de son sourire, de sa voix et de sa gestuelle.

 Les limites du 100% acoustique

150411_056A ses côtés, le grand manitou du piano, Malcolm Braff, s’essaie à la retenue, la harpiste Julie Campiche développe les myriades de notes de son instrument avec parcimonie pendant que le bassiste Jeremias Keller (le seul instrument électrique) s’occupe de la ponctuation. Le concept des concerts du temple est de ne jamais sonoriser les ensembles. Difficile dès lors de brider les instruments par nature plus forts, dont l’imposant piano à queue de Malcolm Braff.

 

Little big woman

150411_087Ce qui n’empêche pas Claire Huguenin de continuer sans faillir son évocation de l’intime, des sentiments à fleur de peaux, des sensations pas forcément agréables, comme ce « Weary Dany » en duo voix-contrebasse qui évoque l’ennui. Le monde de Claire Huguenin est peuplé d’esprits, de gens qui ne communiquent plus, de ruptures, de fracas. Et sa voix fonctionne comme un écho à ses ruptures, ses cabosses, ses éclats de rire. Evidemment, l’équilibre est périlleux, difficile à tenir de bout en bout. Variant les modes, déstabilisant l’auditeur en jouant sur le tragi-comique, Claire Huguenin et ses musiciens taillent néanmoins leur route. Il faudra encore certainement quelques prestations live pour que ce projet atteigne sa pleine puissance. Mais le potentiel, la grâce et la trempe de cette « little big woman » (pour reprendre l’expression d’un Internaute subjugué) sont de ceux qui marquent durablement. Merci !

Le disque Jibcae de Claire Huguenin paraîtra en mai sur le label berlinois Contemplate
Prochain concert de Jibcae au Moods le 2 juin 2015

Les fièvres électrisantes de Puts Marie

© Alessandro Della Bella/m4Music
© Alessandro Della Bella/m4Music

Préliminaires fiévreux le 26 mars à Lausanne à l’enseigne de la 18e édition de m4music. Le festival dédié principalement à la scène et au marché suisse de la musique, qui se prolonge à Zurich les 27 et 28 mars entre conférences, workshops et concerts (Jungle, MØ, Verveine ou Yellow Teeth), a pris ses quartiers au studio 15 de la RTS entre le dancehall décapant de Muthoni The Drummer Queen, la soul futuriste de Sohn et le rock vénéneux de Puts Marie. Les Biennois clôturant la soirée avec leur répertoire diaboliquement lascif, mélancolique et mélodique qui fait parfois songer au dEUS des débuts.

Un retour inspiré

Au terme du longue parenthèse, le quintet réapparu à l’hiver 2013 avec le mini-album “Masosch” n’en finit plus de séduire loin à la ronde. Entre le Prix culturel de la ville de Bienne et les festivals prestigieux (Transmusicales de Rennes l’hiver dernier, Printemps de Bourges, The Great Escape, Paléo et Vieilles Charrues sous peu), leur cote ne cesse de grimper. A juste titre tant les variations d’intensité des prestations de Puts Marie se révèlent ensorcelantes. Entre accents progressifs, élans psychédéliques à l’orgue Farfisa, fracas saturés évoquant par endroits Nirvana et climats d’une moiteur interlope, Puts Marie a sans peine et avec beaucoup d’âme électrisé le m4music.

Le concert du groupe aux dix ans de carrière, retransmis en direct dans l’émission « pl3in le poste » de Couleur 3, débute dans un calme instrumental trompeur. Une torpeur vite dissipée par une succession d’orages desquels se distinguent entre autres « Tell Her To Come On Home », relecture de Little Mack with Sun Ra & His Arkestra. Cardigan noir sur polo orange, Max Usata habite les morceaux de sa voix atypique oscillant entre graves et aigus et se travestissant au gré des atmosphères, du hanté « Obituaries » sur voix filtrée aux airs délurés irrésistibles du mélodique “Pornstar”.

Si vous raté Puts Marie, découvrez-les  lors de l’un de leurs prochains concerts:

21 April 2015 – Les Docks – Lausanne (CH)
28 April 2015 – Printemps de Bourges – Bourges (FR)
2 May 2015 – Café du Soleil– Saignelégier (CH)
14 May 2015 – The Great Escape – Brighton (UK)
18 May 2015 – Chabada (Europavox) – Angers (FR)
19 May 2015 – La Maroquinerie (Europavox) – Paris (FR)
20 May 2015 – La Vapeur (Europavox) – Dijon (FR)
21 May 2015 – Brise Glace (Europavox) – Annecy (FR)
22 May 2015 – Le Transbordeur (Europavox) – Lyon (FR)
23 May 2015 – Fac’tory (Europavox) – Clermont-Ferrand (FR)
29 May 2015 – Kilbi Festival – Düdingen (CH)
30 May 2015 – This is not a Love Song – Nîmes (FR)
02 June 2015 – Centre Culturel Suisse, Carte Blanche à Swiss Vibes – Paris (FR)

 

Manuel Troller @ bee-flat, Bern, 18/03/2015

troller

Wenn das Jahr so weitergeht, dann wird 2015 das Jahr von Manuel Troller. Denn der Luzerner Gitarrist hat eben mit seinem Powertrio Schnellertollermeier das monströse Album «X» veröffentlicht, das toll die Barrikaden zwischen Rock und Jazz niederreisst (und zurecht mit Superlativen bedacht wird).

Seit kurzem spielt Troller auch Solokonzerte. So teilte er Anfangs März in Luzern die Bühne mit dem ehemaligen Sonic-Youth-Gitarristen Lee Ranaldo, und nun, in der Berner Turnhalle, eröffnete er den Abend der bee-flat-Konzertreihe «Stage For Two», an dem nach Troller mit Marc Ribot ein anderer grenzüberschreitender Gitarrist zu erleben war.

Zu Beginn seines gut vierzigminütigen Soloauftritts strich Manuel Troller mit einem Geigenbogen über die Saiten seiner elektrischen Gitarre, der in einem rasenden Arpeggio-Teil mündete, ehe Troller entschleunigte und leisere Töne in den Raum schickte. Das Leise, es führte über in eine Noise-Passage, in der er mit seinen Pedalen und Loop-Geräten einen zerhackten Störfunk-Beat arrangierte – einer, der an Werke von Laptop-Manipulationskünstler erinnerte. Trollers Neugier nach neuen Klängen, in der die Gitarre das «gitarristische» verliert, war in allen diesen verschiedenen Aggregatszuständen seines Spiels zu spüren und hören. Sein Set beschloss Troller mit einem akustischen Stück, das die Americana von Saitenkünstlern wie John Fahey zitierte.

Der Abend blieb in der Folge akustisch, denn Marc Ribot entschied sich für sein Set für die unverstärkte Gitarre. Ganz zum Schluss des Abends holte Ribot seinen 28-jährigen Kollegen für ein spontanes Duo auf die Bühne – ein würdiger Abschluss eines überaus tollen Abends.

Solokonzert: 11.6., B-Sides Festival, Kriens

Konzerte mit Schnellertollermeier: Zürich, Walcheturm, 10.4. Schaffhausen, Jazzfestival, 9.5. Luzern, Südpol, 13.5. St. Imier, Toxoplasmose Festival, 6.6. Kriens, B-Sides Festival, 13.6. Danach Tournee in England.

Schnellertollermeier: «X» (Cuniform Records)

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Billie Bird’s Session No 3 @ Le Bourg, Lausanne 27/02/2015

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This is Billie Bird‘s third experimental sound session at Lausanne’s cosy Le Bourg theatre. A chance to play out new arrangements and songs that could go on to be used on her forthcoming LP. This intimate, organic musical workshop perfectly suits Bille Bird’s style which is anchored in the folk idiom but is textured with such deep, naked emotion that a close exchange with her audience is an essential part of her live expression. No surprise, it’s a sold out soirée for Lausanne’s finest singer-songwriting talent, her loyal fanbase is out in hoards because once bitten, twice smitten and eager for more.

 

Immediately you are drawn, tripes and all

Setting the tone is her haunting acoustic version of Bronski Beat’s ‘Smalltown Boy’, (the only cover in her otherwise original repertoire), one that she has made her own by marrying the melancholic dark edges with her sensitive vibrato voice to great emotional and melodic effect. In fact, therein lies Bird’s vocal skill: teasing fragmented, disjointed lines and rhythms with such malleability that everything comes together seamlessly. Immediately you are drawn, tripes and all, into a journey of emotional exorcism helped along the way by the stunning video backdrop of misty landscapes, raging seas and moody skies totally suiting the timbre of her music.

There’s such charming, heartfelt purity in her delivery

Song-by-song a band member joins the stage, so that when it’s time for the bluesy, foot-stomping ‘April’, all hands are on deck for clapping and voices for singing in unison – a change in tone thanks to lightness of Billie’s banjo and the audience’s joyful participation. Another of her great abilities is to blurr the light with the shade: – yes the majority of Billie Bird’s song-writing material is tortured and rueful in colour, but oh, there’s such charming, heartfelt purity in her delivery that one never feels the need to call the Samaritans. Toes are always tapping and fingers eager to snap, even during the darkest lament of love-turned-sour (‘What are we’) or impossible desire (‘Beast’). Hanging emotion on a driving, intricate beat is Billie’s speciality; her original rhythmic patterns are as compelling as her meaningful lyrical content.

She gives difficult emotions a home to go to

It’s a treat to hear her sing in French, (‘Il n’y a rien qui te remplace’), and I would certainly have liked more in her original tongue which to my anglophone ears is made for poetic, romantic suffering. There’s an unexpected afrobeat moment where the entire band fusion together into one deep, hypnotic groove – very refreshing. And then the Tom Jones incident: knickers thrown at her on stage! When I mentioned a loyal fanbase I wasn’t exaggerating. Billie Bird is a blossoming national treasure and audiences are enchanted by her dark, emotive style wherever she performs. It’s as if she gives difficult emotions a home to go to. Her raw, understated delivery has a knack of drawing you in and not letting you go. We were all left wanting more, wishing that the magic of this intimate gig could go on and that her dusky light could shine on us all night.

Line up:

Billie Bird (vocals, guitars, banjo, piano)
Marcin De Morsier (bass, synths, vocals)
Fabio Pinto (guitars, piano, perc, vocals)
Jérémie Duciel (drums)
Giuseppe Greco (live video visuals)

Forthcoming live gigs:

22nd March : Ebullition, Bulle w/ Mister & Mississipi
25th April : Bogen F, Zürich w/ Scott Matthew
19th June : Cully Classique (off festival )

Louis Schild, « Qu’il Vive »

Portrait de Louis Schild revisité par le photographe Michel Bonvin!
Portrait de Louis Schild revisité par le photographe Michel Bonvin

Sur la scène du Théâtre 2.21 à Lausanne, samedi 17 janvier, un grand barbu armé d’une basse et d’une trompette qui ressemble à un jouet dirige un drôle d’orchestre. Pierre Audétat (Stade, Piano Seven) s’agite entre un piano à queue et des samplers, Flo Stoffner, assis se balance hypnotiquement sur sa guitare. Quant à Lionel Friedli, il frotte, frappe et fait voltiger les baguettes de sa batterie comme si sa mission était de déclencher un feu d’artifices de rythmes.

Qu’il Vive

 « Il y a des feuilles, beaucoup de feuilles sur les arbres de mon pays. Les branches sont libres de ne pas avoir de fruits. » écrivait René Char dans le poème “Qu’il Vive“ en 1968. C’est à ce court texte que Louis Schild rend hommage pendant un peu plus d’une heure. « “Qu’il Vive“ parle d’un pays. C’est un vœu de l’esprit, une utopie, un pays qu’on a en nous. Cette idée m’a accompagné tout au long du processus de création. » Qui s’achève en décembre 2014, le jour où Louis Schild remet à ses comparses les copies de son travail de composition.

En ce samedi soir de janvier, je ne cherche d’ailleurs pas vraiment à comprendre où se situe le blues, le rock ou le jazz dans ces long morceaux, dans ce processus d’improvisation collective. Je préfère apprécier l’incroyable énergie qui se dégage l’ensemble et se transmet au public encore plus jeune que le leader de la formation.

https://vimeo.com/118988006

Quelques jours plus tard, dans un café du centre ville, les questions affluent. « Je n’ai pas seulement emprunté au jazz, mais aussi aux musiques folkloriques d’Afrique de l’Est, aux musiques populaires italiennes des années 60 et à celles du Proche-Orient » explique le jeune autodidacte de 23 ans, éperdument curieux. « Je me suis beaucoup intéressé aux musiques de l’Empire Ottoman, aux rhapsodies. On dit d’ailleurs que dans les rhapsodies, les thèmes sont cousus ensemble. Cette idée m’a beaucoup parlé».

LEON

LEON Louis Schild (à gauche) et Raphaël Ortis (à droite)
LEON
Louis Schild (à gauche) et Raphaël Ortis (à droite)

Quand il n’est pas en train de donner son interprétation musicale de poésie résistante, Louis Schild est la moitié du binôme LEON. Né en 2011 d’une rencontre avec Raphaël Ortis (bassiste et explorateur de sons ) à la Reithalle de Berne, LEON a choisi comme mode opérationnel l’improvisation pure. Le travail du groupe repose sur quelques idées discutées en amont et une complicité à toute épreuve. Aujourd’hui. Parce qu’il se sent irrésistiblement attiré par le rock, LEON aime inviter d’autres musiciens et tend à se fixer en quartet avec encore Antoine Läng (voix et électronique) et David Meier (batterie).

Parfois encore LEON collabore avec Kasper T. Toeplitz, le compositeur franco-polonais, également un homme de basse, mais aussi d’ordinateurs, bien connu dans les milieux de la noise music. Un enregistrement de leurs recherches sonores va d’ailleurs bientôt paraître sur le label et distributeur de disques fous Metamkine.

Travailleur du son et de l’espace, Louis Schild est aussi l’ardent défenseur d’une autre façon de vivre. Une forme de résistance ou plutôt d’« insurrection de consciences » pour reprendre les termes de de l’intellectuel Jean Ziegler. Louis Schild a choisi la vie en communauté, à la maison comme dans ses nombreuses activités. Avec Alain Wolff, il s’occupe de l’Espace Echallens13 à Lausanne.

Il se prépare à lancer Les éditions collectives La Maraude dont l’une des premières parutions devrait être un livre de dessins de Julian Sartorius. La carte blanche que lui a donné pendant 4 soirs le théâtre 2 :21 à Lausanne a été l’occasion de faire le point sur son travail. Enrichissant et stimulant.

 

 

 

KIKu adoubé par Blixa Bargeld à Paris

KiKu_Presspic_01_72dpi_1_530_352« Vous êtes là pour Blixa ? » se demande-t-on poliment au sein d’une foule compacte d’où émerge, en connaisseur, la tête du géant (au sens propre) de l’électro analogique parisienne, Arnaud Rebotini. Blixa Bargeld, donc, fait l’attraction de ce premier concert de rentrée au centre culturel suisse. Le fondateur d’Einstürzende Neubauten vient prêter sa voix caverneuse au nouveau projet de KIKu, le duo d’indus jazz romand. Mais, comme pour rester fidèle au titre de leur album, « Marcher sur la tête », Yannick Barman, à la trompette et Cyril Regamey, à la batterie, s’amusent d’emblée à brouiller les pistes. En introduisant le slammeur lausanno-new-yorkais Black Cracker et leur guitariste David Doyon, ils démarrent par une impressionnante session de hip hop noise, tandis que sur l’écran sont projetés les dandinements d’une caméra entre deux murs léprosés. Regamey, métronomique sur sa batterie électronique et Barman, toujours entre miaulements de trompettes et mélodies fugaces orchestrent l’ensemble avec toute leur science du micro silence et du groove impossible.

Quelques morceaux plus tard, après cet échauffement emballant, frémissements : « Blixa », impassible dans son costume trois pièces impeccables, débarque en fauteuil. A peine le temps d’un « Bonjour ! » tonitruant, et déjà les meilleurs morceaux de « Marcher sur la tête » s’enchaînent. Avec « Nuages », longue composition labyrinthique, KIKu tempête sur drone; sur « Belehrung », poème de Herman Hesse contée d’une voix profonde, la trompette chuinte du free jazz; sur le classique new wave des Korgis, « Everybody’s got to learn sometime », d’incongrus apartés pop font leur apparition. Parfois, Blixa lâchera un cri ou soulèvera un sourcil rageur, Régamey laissera l’impression d’être le Tony Martin du free-drone; Barman, la trompette dans la bouche, fricotera avec ses machines (la sainte trinité sampler-ipad-laptop). Mais toujours, sauf peut-être pour le final, qui, à défaut de marcher sur la tête, piétinera les tympans, toujours KIKu, Blixa et Black Cracker réussiront à rester imprévisibles.

Le 20 janvier 2015 au Centre Culturel Suisse de Paris

Egalement le 22 janvier au Bad Bonn de Düdingen et le 23 janvier aux Docks de Lausanne

Album : « Marcher sur la tête » (Everest Records)

Le projet Soriana s’helvétise…

“C’est comme lorsque l’on s’exprime dans une langue, il faut maîtriser l’accent. Je connais les mots et la grammaire, mais je ne sais pas comment les prononcer…”

(Nicolas Masson, à propos de son travail avec Basel Rajoub à mi-chemin entre musiques orientales et du jazz)

 
Nicolas Masson et Basel Rajoub
Nicolas Masson et Basel Rajoub

Depuis quelques mois le saxophoniste genevois, Nicolas Masson, s’immerge dans le monde des musiques orientales en compagnie de son nouvel ami Basel Rajoub.

Ce saxophoniste syrien, établi en Suisse est à la tête d’un trio de musique contemporaine orientale. Entre improvisation et composition, ce projet est un sublime mélange de spontanéité et de contrôle. Depuis peu, Basel Rajoub l’a baptisé Soriana (« notre Syrie »).

Au contact de la Suisse, en discutant avec Nicolas Masson au Sud des Alpes où tous deux répètent, l’idée a germé de revisiter les thèmes de ce Soriana avec des musiciens de la place et des instruments modernes. Pour ce faire Basel a passé quelques nuits à préparer des partitions à partir d’une musique qui s’ancre dans une tradition d’improvisation millénaire.

 
Première à Jazz Contreband

Basel RajoubLe 4 octobre 2014, le travail des saxophonistes soprano et ténor est enfin écoutable et visible  “pour de vrai” au Sud des Alpes dans le cadre de la 18è édition du Festival Jazz Contreband, cette manifestation qui rassemble 50 concerts en 20 lieux pendant 24 jours, en France voisine et en Suisse romande.

A leur côté une rythmique de choc constituée de Vincent Ruiz (Plaistow) à la contrebasse et Maxence Sibille à la batterie, tous deux anciens élèves de Nicolas Masson. Timide de prime abord, le quartet prend vite son essor.

Helvetica

A peine a-t-on le temps de reconnaître les thèmes de « Asia », le dernier opus de Basel Rajoub, que ceux-ci s’émancipent porté par un vent de liberté nouveau. « Cet ensemble me donne plus d’espace et de place. La musique se transforme. Elle est plus puissante, centrée sur l’énergie » explique Basel Rajoub quelques jours plus tard. « Quand je joue avec les instruments traditionnels orientaux (le qanun et le tambourin) l’accent est donné au son et à l’instrument. Ce sont deux choses complètement différentes. »

Travaillant à partir du répertoire de Basel Rajoub, ce « Swiss Soriana » s’émancipe déjà des originaux qu’il est censé revisiter. Un morceau de Nicolas Masson « So long » est inclus dans le répertoire et un nouveau titre de Basel Rajoub, le bien nommé « Helvetica » témoignent de l’émergence d’un véritable nouveau projet dans lequel Basel Rajoub ne tient pas être l’unique compositeur.

Connu pour son travail sur les micro-intervalles qu’il arrive à reproduire en soufflant dans son sax sans l’aide d’aucun artifice, Basel Rajoub se réjouit d’enseigner ses techniques à Nicolas Masson qui ne rêve que de ça… Quant à nous, on attend la suite impatiemment !

Le site Internet de Basel Rajoub et Le site Internet de Nicolas Masson

Egopusher @ tHBBC, Cully

EgopusherPreisig plays like an anti-violinist with a violin

I have never seen a drum and violin duo before and, despite a set up of delay and reverb pedals, a mini Moog bass synth and samples, Alessandro Giannelli and Tobias Preisig focused on their actual instruments. These are clearly accomplished musicians.

Preisig plays like an anti-violinist with a violin. He attacks his strings with rhythmic stabs and warped slides, sawing his bow across his instrument as if a maniac cutting off his own leg. Notes get higher and higher, searching for an exit for the impending explosion. Such a moment had my spine-tingling, the music slipping and warped as it ascended; it was faintly erotic.

“It gives me energy”

Preisig describes this band as a chance for ‘controlled vomiting’, getting stuff out of his system in the least contrived way possible. He can be more immediate and free than with his quartet purely because the logistics of a duo are simpler. He can also explore influences from rock and electronica. ‘It gives me energy,’ he told me.

Giannelli’s physique (I wouldn’t want to pick a fight with him) gives a clue to his sound. He’s a workhorse who can bang a drum with such force I thought he might gash the skin. But he wasn’t thrashing, his sound was controlled and clean. I could sense him tuning into Preisig and he was able to shape-shift between smashing out a rock line, feeling the funk or neatly tap dancing on a drum rim.

This was only their eighth live appearance

Occasionally Preisig would fall in with the rhythm of the drum to make a powerful coupling, or allow a scrap of melody to emerge before repeating it until he flogged into silence. Sometimes I was even reminded of the melancholic fury of ’80s New Wave bands like Magazine, and I wanted more of that.

This was only their eighth live appearance so these are early days especially in terms of use of sound effects and samples. My note of caution would be that whilst ‘spewing’ is probably fun there could still be space for the exquisite aesthetic the violin is capable of. Preisig does not need to be ‘hard’ or loud to engage a different audience; true power always lies in being open, revealing vulnerability. He could take a note from Giannelli’s seamless moves through texture and colour.

Egopusher played as part of the I Ha Nüt festival at tHBBC in Cully. This club is a one-off. Firstly, there are pebbles (stones) on the floor! It is one of the friendliest venues I’ve been to and most importantly it’s a place where musicians can ‘get down’ – let themselves go, try out new projects. The fact that 15 people make it feel crowded also helps. If you live anywhere nearby, I order you to visit and say hi to the sparkling hosts – Gilliane and Nicolas Rosazza.

[vimeo http://vimeo.com/104851854]

Egopusher website
tHBBC website

14.10.14 La Catrina, Zurich
6.11.14   Kurzfilmtage, Winterthur
6.11.14   Zukunft, Zurich
8.11.14   Up State, Zürich (Vernissage Marianne Müller)
21.12.14 Trabant Echo LP Release, Hive Zurich

 

Ein heisser Abend mit Me, Valentin & You

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Bereits durch die schweren, sperrigen Vorhänge hört man, dass im Innern vom Eldorado mehr los ist als auf der menschenleeren Strasse an diesem Sonntagabend. Kaum drinnen zieht mich sogleich eine markante Stimme in den Bann. Auf der Bühne steht die Berner Band Me, Valentin & You – das Konzert hat bereits begonnen. Die Menschen in der vollen Bar in Zürich bewegen sich kaum, was vermutlich an der Hitze liegt – oder am fiesen Kater vom Vorabend. Zumindest auf mich wirkt das abwechslungsreiche Set belebend.

MVY_eldorado_2014Anfänge als Strassenmusiker

Frontmann Valentin Kugler war auf den Strassen von Bern als Solomusiker unterwegs, als er dort auf seine zukünftigen Bandmitglieder traf. So hat man manchmal das Gefühl, dass die Songs durchaus auch ohne Band funktionieren könnten. Allerdings würden dann die Dynamik und Spannung fehlen, welche das perfekte Zusammenspiel der vier Musiker erzeugt. Die Stimme von Kugler wird dadurch in den richtigen Momenten hervorgehoben – eine Stimme, die live kantiger und echter rüberkommt als auf den Aufnahmen.

Nie hoffnungslos

Als der Song «Heading Home» angestimmt wird, komme ich nicht umhin, an das phänomenale «Spanish Sahara» der britischen Band Foals erinnert zu werden. Die atmosphärischen Klänge werden von Kuglers eindringlichen Stimme in einen Refrain geführt, der Licht in die recht düstere Klangwelt bringt. Überhaupt versinken die Lieder nie in übermässigem Schwermut: Ein wenig Hoffnung schimmert stets durch.

[youtube=https://www.youtube.com/watch?v=TQBUqUz296Y]

 

Album «If» für das deutsche Publikum

Nächste Woche macht sich Me, Valentin & You auf, auch die Indie-Herzen in Deutschland zu erobern. Das Album «If» wird dort am 10. Oktober 2014 veröffentlicht. Begleitet wird das Album-Release von einer kleinen Deutschland-Tour, welche die Berner Band in sieben deutsche Städte bringt. Idealerweise kommt man pünktlich zum Konzertbeginn; über meine Verspätung habe ich mich nach dem schönen Konzert im Eldorado arg geärgert.

Daten der Deutschland-Tour:
09.10.14   Haldern Pop Bar, Haldern
10.10.14   Auster-Club
, Berlin
11.10.14   Milla – Live Club
, München
13.10.14   Live Club, Bamberg
14.10.14   Blue Shell
, Köln
15.10.14   Prinzenbar
, Hamburg
16.10.14   Ponyhof
, Frankfurt

Das Album «If» (Oh, Homesick) ist in der Schweiz seit dem 28. März 2014 erhältlich.